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UD14. Artes plásticas en el S. XIX. Impresionismo y postimpresionismo - Contenido educativo

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Subido el 4 de mayo de 2021 por Antonio F.

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Hola, buenas tardes, buenas noches, buenos días, según el momento en que vean la grabación. 00:00:02
Vamos con las dos corrientes que van a cerrar este tema, que es una asociación plástica del siglo XIX. 00:00:08
Recuerden que la importancia del realismo, del que vimos en el anterior vídeo, del impresionismo y post-impresionismo, 00:00:16
es que rompen la percepción del arte que se había realizado desde el nacimiento, desde el barroco, 00:00:24
en ese arte académico, rompiéndolo 00:00:29
lo que se concibe como 00:00:32
artes plásticas, ¿vale? 00:00:34
que es lo que nos ha llegado hasta la 00:00:35
actualidad 00:00:37
y sobre todo muy importante que vamos a ver ahora mismo 00:00:38
que es el impresionismo 00:00:41
todo el arte posterior es una reacción 00:00:42
al impresionismo 00:00:45
cogiendo sus avances pero 00:00:47
criticando la falta 00:00:49
de unir arte y vida 00:00:51
que según las corrientes posteriores 00:00:53
le faltó al impresionismo 00:00:55
El emprendimiento es un movimiento pictórico que tiene su origen en Francia, en 1860, donde un grupo de pintores, de artistas, tienen como objetivo reproducir la impresión, reproducir lo que están viendo en ese momento, sabiendo que lo que están viendo en ese momento es UGAD. 00:00:57
Los orígenes de este movimiento son salones, normalmente siempre había unos salones oficiales donde se hacía una exposición de pintores con los gustos de la burguesía de ese momento. 00:01:14
Siempre había unos pintores excluidos y se decía un ser una parte. Estos pintores decidieron no exponer sus obras en los salones oficiales sin exponerlos en el estudio de un fotógrafo, lo cual también es muy significativo por la importancia de la fotografía con el encuadre, con los distintos encuadres fotográficos que se van obteniendo. 00:01:29
Ahí tienen el estudio donde se realizó esa exposición de esos pintores que fueron excluidos de ese salón oficial. Su voluntad es clara, quieren oponerse, quieren romper con la pintura tradicional, con la pintura académica y ante un mundo de cambios como es el mundo del siglo XIX, de novedades, de progresos, en donde nada permanece, no buscan lo permanente, sino buscan la fugacidad. 00:01:54
retratar la fugacidad 00:02:22
el pestañeo de lo que veamos en ese momento 00:02:24
es lo que tenemos que representar 00:02:26
también marcado 00:02:29
como estamos explicando 00:02:31
por la propia fotografía 00:02:33
y por la propia realidad cambiante 00:02:35
que hay en ese momento 00:02:36
lo raro del impresionismo pictórico 00:02:38
es que intenta captar 00:02:42
esa realidad, sobre todo 00:02:43
los efectos cambiantes de la luz 00:02:46
la luz dependiendo del momento va a impactar 00:02:48
sobre las superficies, las va a disolver 00:02:50
va a disolver las formas 00:02:52
y según el momento 00:02:54
va a crear efectos distintos 00:02:56
ese es el objetivo del pintor impresionista 00:02:58
para ello la pinturada será corta 00:03:00
será muy visible 00:03:02
muy rápida 00:03:04
van a pintar lo que llaman plener 00:03:06
una pintura ley de libre 00:03:08
abocitada 00:03:10
la teoría de los colores 00:03:11
van a ser muy teóricos 00:03:13
los colores primarios 00:03:16
que se van juntando con los colores complementarios 00:03:18
o secundarios 00:03:20
y todos estos colores se van a pintar en la retina del espectador. 00:03:21
Otro muy importante, no van a usar el color negro. 00:03:26
Los impresionistas no usan el pintor negro. 00:03:30
Manet, que es el percusor del impresionismo, es el único como percusor y no movimiento de este movimiento 00:03:33
que usa el color negro. El resto no usa el color negro. 00:03:39
Las sombras no se van a pintar con colores negros, sino con colores complementarios, los colores principales. 00:03:43
Otro rasgo importante que rompe la pintura del Renacimiento, la pintura del barroco, es que renuncian a la perspectiva, no quieren una sensación de profundidad. Al no usar el negro, no hay claro oscuro, las figuras no tienen volumen, no tienen corporalidad en sí mismas, no interesa que la figura se le vea el volumen, lo que interesa es la luz, cómo la luz disuelva las formas, ¿vale? 00:03:49
y luego su otro rasgo es el paisaje 00:04:10
el mejor sitio 00:04:12
donde voy a ver los cambios de luz 00:04:14
lógicamente tiene que ser el paisaje 00:04:16
con lo cual se va a usar la pintura de plener 00:04:17
esa imagen del pintor con el caballete 00:04:20
que sale a pintar a la ciudad 00:04:22
o sale a pintar al parque 00:04:24
o a la naturaleza, es ahora del pintor impresionista 00:04:26
hasta ese momento el pintor estaba en su estudio 00:04:28
pintaba en el estudio, ahora el pintor 00:04:30
sale del estudio y pinta 00:04:32
la realidad, pero pinta la realidad 00:04:34
lumínica, es decir 00:04:36
La impresión de ese momento determinado también está, menos reinoar quizás, está quitando el sentimiento a la pintura. Es una de las críticas del postimpresionismo. Como hemos dicho, Manet es el precursor de movimiento y ella usa uno de sus principales rasgos. 00:04:38
El color es una mancha plana en la pintura, no hay gradaciones, no hay una degradación del color que nos quede una sensación de perspectiva, que nos quede una sensación de volumen, con lo cual está renunciando a la profundidad del cuadro. El cuadro es lo que vemos delante, punto, es color, ahí, es la realidad que está creando él, no tiene que representar la realidad, no hace falta crear su noción de profundidad. 00:04:58
luego también es muy provocador 00:05:20
lógicamente está rompiendo normas 00:05:23
está Almuerzo sobre la hierba 00:05:25
de 1963, la composición 00:05:26
se inspira mucho en Velázquez, tiene una composición 00:05:29
en V, aquí la ven 00:05:31
como en las hilanderas, para dejar 00:05:32
en primer plano esta 00:05:34
mujer bañándose 00:05:36
en camisa, en el agua 00:05:38
aunque luego también 00:05:40
tiene en el mismo cuadro 00:05:42
es decir, está muy cuidada 00:05:44
la composición, es decir 00:05:46
este triángulo con un pajarillo rojo 00:05:48
porque aquí me están marcando todas las figuras, ¿de acuerdo? 00:05:50
El color es importantísimo, el color está dado con manchas de color, color plano, no hay gradación, 00:05:55
por ejemplo, en la mujer no hay una gradación del color, es decir, es totalmente blanca, 00:06:03
ni en la parte que está más blanca, ni en la parte que está un poquito más oscura, no. 00:06:08
Igual que en las vestimentas de los hombres. 00:06:11
la función de significado 00:06:15
hay las críticas 00:06:20
normalmente el desnudo 00:06:22
se hacía por ejemplo o bien en pinturas privadas 00:06:23
o si había un desnudo 00:06:26
era en temas mitológicos 00:06:28
pero un cuadro para exhibir en desnudo 00:06:30
era algo 00:06:32
que en ese momento la sociedad burguesa 00:06:34
no podía concibir 00:06:36
y ahí tenemos una mujer 00:06:37
que encima está mirando al espectador 00:06:39
hay una rana también 00:06:42
por aquí metida, que es el símbolo de la lujuria 00:06:44
la posición de la pierna 00:06:46
al lado de alguien vestido 00:06:48
dos jóvenes que están vestidos al lado de dos 00:06:50
mujeres desnudas, es decir, es un cuadro 00:06:52
que a la burguesía le rechaza 00:06:54
pero a la vez el pintor está haciendo una crítica a la burguesía 00:06:56
es decir, aquella burguesía 00:06:58
que puede tener prostitutas 00:07:00
que vive en un mundo 00:07:02
de placeres, etcétera 00:07:05
pues cuando ve el cuadro está rechinando 00:07:06
entonces el pintor está también 00:07:09
haciendo una crítica de que os estáis 00:07:10
escandalizando cuando esto es lo que vosotros normalmente 00:07:12
estáis haciendo 00:07:15
y la importancia de la significación del cuadro es eso 00:07:15
es decir, cómo está rompiendo con normas de la pintura 00:07:19
a la vez que está haciendo 00:07:21
una crítica, luego también destacar 00:07:24
distintos encuadres 00:07:26
eso es importante también 00:07:28
y luego se va a usar 00:07:29
mucho, es decir, hay un encuadre frontal 00:07:32
y los personajes 00:07:34
están aquí, están vistos 00:07:36
como si fuese una fotografía de frente 00:07:38
pero sin embargo 00:07:39
y ahí se crea un poquito de profundidad 00:07:40
estos paseos dentro de ese bosque 00:07:44
tienen un encuadre diagonal 00:07:50
totalmente distinto al encuadre de una fotografía frontal 00:07:52
que nos muestra 00:07:55
luego también está juntando dos temas 00:07:56
el tema del desnudo, el nudo femenino 00:08:01
con el tema del bodegón 00:08:05
Pero un bodegón sin claro oscuro, sin clarar sensación de volumen. Esta obra de Olimpia es igual que este que puede ser, coge otro de Tiziano y lo está parodiando, encima riéndose de su propia sociedad. 00:08:09
en este también está cogiendo este tema de Tiziano 00:08:27
y lo está parodiando 00:08:30
pero en este caso es 00:08:32
debe de ser la mujer, la esposa 00:08:34
como una alegoría 00:08:36
recuerden lo que vimos 00:08:38
del matrimonio, pues es una prostituta 00:08:39
tiene la misma forma 00:08:42
de esta diosa 00:08:45
con ese punto de atención que crea aquí 00:08:48
igual 00:08:51
pero lo que está 00:08:52
pero 00:08:54
una prostituta, también con la diferencia 00:08:56
de que no crea efecto de claro oscuro 00:08:59
es decir, es totalmente blanca 00:09:00
es una mancha de color blanco 00:09:03
sí, sí, diferencia, es decir, es un 00:09:04
pintor capaz de diferenciar este blanco 00:09:07
o este de la criada 00:09:09
con el blanco, pero es una 00:09:11
mancha de color uniforme, ¿vale? 00:09:13
está rompiendo la relación de colores que por ejemplo 00:09:14
Tiziano sí crea que 00:09:16
es lo importante 00:09:17
de esta Olimpia 00:09:20
Luego también este pifano, son igual manchas de color, se está inspirando en obras de Velázquez, de Buffon, y en este retrato de Zola, un escritor realista importante, 00:09:22
Es este grabado japonés que nos está mostrando cómo estos pintores están influenciados por esta técnica de pintura en la cual se está pintando con mancha de color uniforme. Ellos están copiando mucho de ese orientalismo que se está transmitiendo en ese momento. 00:09:44
como hemos dicho 00:10:05
Manet no pertenece a ese movimiento 00:10:07
incluso se hace como una sociedad 00:10:09
de artistas donde comparten 00:10:11
todo, gastos, etc 00:10:13
no está incluido pero así 00:10:14
Manet, Manet es el máximo exponente 00:10:16
de los impresionistas 00:10:18
las pinturas están construidas con colores 00:10:20
es puro color 00:10:23
formas y colores en el momento del día 00:10:24
es decir, lo importante es reflejar 00:10:27
lo que se está viendo en el día 00:10:29
para eso hay que salir al paisaje 00:10:30
entradas cortas, rápidas 00:10:32
y abocetadas 00:10:34
la luz disuelve 00:10:35
las formas, los objetos 00:10:38
ahí tenemos por ejemplo estas obras 00:10:40
tomadas 00:10:42
a Gentuil, a Grenier 00:10:44
donde es la importancia de la luz 00:10:46
que va tomando 00:10:48
distintas formas según el momento del día 00:10:50
en el cuadro 00:10:52
o el cuadro que abre 00:10:54
toda esta corriente 00:10:56
que se llama Impresión 00:10:57
son noaciente, 1922 00:10:59
él mismo cuando tiene que catalogar esta obra 00:11:01
no le gusta 00:11:04
hablar de paisaje como otros 00:11:06
artistas que hemos visto, por ejemplo 00:11:07
el paisaje de Tal o Vista de Del 00:11:09
de un punto flamenco 00:11:12
no, esto no es una vista 00:11:14
esto es un momento que he visto 00:11:16
algo, un pestañeo 00:11:18
una impresión, lo que pasa que 00:11:20
luego el término 00:11:22
fue usado por un comentarista de arte 00:11:23
y lo que intentó criticar 00:11:26
es usar el término impresionista 00:11:28
que es al final con el que se ha quedado esta corriente 00:11:30
intentó criticar la falta 00:11:32
de preparación, es decir, él creía que este cuadro 00:11:34
no estaba preparado, que este cuadro es imperfecto 00:11:36
es decir, dijo que estaba 00:11:38
más preparado, mucho más perfecto 00:11:40
el empapelado de una pared 00:11:41
que este tipo de cuadros 00:11:44
también es importante, todos estos tipos 00:11:46
de comentarios, porque se nos quedan 00:11:48
original 00:11:50
esa tendencia, la composición 00:11:50
es una composición asimétrica 00:11:54
está marcada 00:11:55
por este sol 00:11:57
que está dividiendo el cuadro en dos partes 00:11:59
aunque no son perfectas 00:12:02
no es totalmente perfecta 00:12:04
los colores como ven 00:12:06
son colores fríos 00:12:12
los azules 00:12:13
y contrastado 00:12:15
con el naranja del sol 00:12:18
con el reflejo del agua 00:12:21
el reflejo del sol 00:12:22
en el agua 00:12:23
en este 00:12:25
amanecer 00:12:27
estaba en el puerto 00:12:29
de Le Havre 00:12:32
el tema 00:12:33
es realmente la pintura misma 00:12:35
el tema es el color, el momento 00:12:37
el reflejar el momento 00:12:39
que se está produciendo en ese momento 00:12:41
no es un paisaje 00:12:43
no es una vista 00:12:46
es lo que está viendo 00:12:46
el pintor en ese momento 00:12:49
es la importancia del cuadro 00:12:51
no importa representar la realidad tal cual 00:12:52
lo que está importando es 00:12:56
hacer un estudio de la pintura 00:12:58
de cómo la luz está reflejando y cómo está 00:12:59
disolviendo las formas, más que representar 00:13:01
el puerto de Han, del 00:13:04
Ab, podría ser cualquier puerto 00:13:05
podría ser cualquier lugar del mundo 00:13:07
las formas están totalmente disueltas 00:13:09
por ejemplo los mástiles de los barcos 00:13:12
están disueltos en ese 00:13:13
fondo difuminándose 00:13:15
¿de acuerdo? puede parecer mucho 00:13:18
y lo es, está tomando 00:13:19
mucho de 00:13:21
de Turner 00:13:23
el propio Monet 00:13:24
en esta idea de que hay que salir 00:13:30
fuera, de que hay que tomar 00:13:32
distintos puntos de vista del mismo 00:13:34
objeto, pues hace una serie de la catedral 00:13:36
de Rouen 00:13:38
las formas de la catedral se disuelven 00:13:38
según el momento del día 00:13:42
incluso la idea del encuadre 00:13:44
pues es distinto 00:13:46
es decir, el encuadre es distinto a este 00:13:48
que lo que vemos en este 00:13:50
que lo vemos en esta sobra 00:13:51
la técnica que está usando, vale, sí 00:13:53
como siempre estamos viendo, pero es una técnica 00:13:55
ya de pintura al aire libre 00:13:58
como les he dicho, uno de los resultados del impresionismo 00:14:00
la composición 00:14:04
pues es totalmente abierta 00:14:07
es decir, no está acabada 00:14:08
depende del encuadre, es que es un encuadre 00:14:10
tomado de la técnica de la fotografía 00:14:12
los colores son 00:14:14
manchas abocetadas 00:14:16
rápidas y el tema 00:14:17
sí, puede ser la catedral 00:14:20
pero puede ser cualquier otra catedral 00:14:22
decir, no se indica si la catedral es buena 00:14:24
lo importante es el estudio 00:14:26
de la luz sobre 00:14:28
el cuadro 00:14:30
en este estudio pues él va a ser 00:14:31
dentro de esta corriente toda su vida 00:14:36
es decir, va a estudiar como las 00:14:38
formas se disuelven con la luz 00:14:39
y va llegando incluso al tema de la 00:14:42
pintura abstracta, por ejemplo, en estas minteras 00:14:44
es decir, las formas se acaban 00:14:46
difuminando 00:14:47
tanto, disolviéndose tanto 00:14:50
que a lo mejor no se 00:14:52
distingue muy bien lo que es, y eso es el origen 00:14:54
de la pintura abstracta, la pintura 00:14:56
que no tiene un motivo, que no tiene formas claras 00:14:58
¿de acuerdo? 00:15:00
Luego tenemos por ejemplo a Renoir, que lo ha querido vivir 00:15:04
la diferencia de este impresionista 00:15:06
con el resto es que él va 00:15:08
por ejemplo en un 00:15:09
moned, no vamos a ver nunca una figura 00:15:12
y él sí 00:15:14
y los protagonistas de su cuadro 00:15:16
van a ser las figuras humanas 00:15:18
y como la luz refleja sobre ellos 00:15:20
por ejemplo en este torso de Mujer al Sol 00:15:22
pues la mujer está en un bosque 00:15:23
y los 00:15:26
ramas van pasando 00:15:28
rayos de luz y van impactando 00:15:31
sobre 00:15:33
el cuerpo 00:15:34
rasgo también del impresionismo, no hay colores 00:15:36
negros, hay colores oscuros 00:15:39
que son más sombras, con colores violáceos 00:15:41
pero no hay colores 00:15:43
no hay un color negro 00:15:44
propiamente 00:15:46
con lo cual no puede haber esa sensación de claro 00:15:47
oscuro, de volumen 00:15:52
la obra más significativa o la que entra en el programa 00:15:53
de Renoir es el baile de la Moulin de la Galette 00:15:56
La Moulin de la Galette es una especie de local donde las clases populares de París se reunían. 00:15:59
Por cierto, que el sitio sigue existiendo todavía, es decir, el restaurante como sitio de restauración sigue existiendo. 00:16:06
Es un poco contradictorio con la idea del impresionismo de que la pintura tenía que ser a la ida libre. 00:16:14
la pintura 00:16:19
se hace en estudio y se nota 00:16:21
en el que si Renoir se caracteriza 00:16:22
por pintar, por captar 00:16:25
la alegría de vivir 00:16:27
la gente 00:16:29
desenfadada viviendo, este cuadro está 00:16:33
como muy 00:16:35
muy compactado 00:16:35
muy acartonado 00:16:39
porque está muy estudiado, es una composición muy estudiada 00:16:40
por ejemplo tenemos una 00:16:43
diagonal que marca 00:16:44
esta y otra diagonal 00:16:47
¿Qué marca esta mujer? Yo te digo una marcada por esta mujer que me está dividiendo el cuadro. Por un lado, estas personas que están aquí hablando, dialogando con el baile que nos encontramos en este lado. 00:16:48
Y luego los grupos se van moviendo, se van distribuyendo en función de dos grupos de personas, en función de los grupos que son los que están bailando, que son conocidos, es decir, todas las personas son conocidas del pintor y a partir de aquí, a partir de estas dos hermanas, que también eran modelos, se conocían del pintor. 00:17:02
a partir de estos cuadros se va distribuyendo 00:17:28
todo el cuadro 00:17:31
por un lado, pues es decir, la conversación 00:17:32
animosa entre las personas 00:17:35
los gestos de las personas 00:17:37
que bailan, de cómo se van 00:17:39
acercando unos a otros 00:17:41
de ese movimiento 00:17:42
del baile que van teniendo 00:17:45
¿de acuerdo? 00:17:46
la luz va juntando 00:17:49
la luz natural que se ve 00:17:51
igual que en el torso del mundo 00:17:52
como van pasando, por ejemplo, una especie de ramas 00:17:54
que van pasando, la luz 00:17:57
con la luz natural pero con la luz artificial de estas lámparas que van transmitiendo una nueva luminosidad. Las figuras no se construyen con colores oscuros sino que se construyen con estas tonalidades que nunca hay un color negro. 00:17:58
el espacio 00:18:24
se consigue la sensación de multitud 00:18:27
a través 00:18:30
colocar grupos 00:18:33
muchos grupos de personas 00:18:35
y que es la sensación de multitud 00:18:37
por otro lado también algo muy curioso son los encuadres 00:18:39
está usando los tipos de encuadre distinto 00:18:41
por ejemplo 00:18:44
esta parte de aquí 00:18:45
es como si estuviéramos 00:18:47
y es que la idea, tomando una fotografía 00:18:49
desde arriba 00:18:51
sin embargo 00:18:52
las personas que bailan 00:18:53
están tomando un encuadre 00:18:55
frontal, ¿de acuerdo? 00:18:57
El tema es un tema 00:18:59
de mostrar algo 00:19:01
cotidiano, pero también 00:19:03
algo destacable. 00:19:05
Nos intenta mostrar 00:19:07
una realidad amable, una realidad 00:19:09
cotidiana con cierta alegría. 00:19:11
Cuando la realidad en Francia, 00:19:13
en este sitio donde van clases populares, 00:19:15
tiene una realidad mucho más dura, 00:19:18
mucho menos alegre. 00:19:19
Él nos muestra una realidad 00:19:21
mucho más agradable a los sentidos. En esta sensación, en esta línea, pues tenemos este almuerzo de los roneros, 00:19:23
es decir, donde juega con todos los factores del impresionismo en este cuadro. 00:19:34
Lo importante del impresionismo rompe la perspectiva tradicional, no hace falta línea de fuga, no hace falta una perspectiva lineal, 00:19:40
No hace falta volúmenes de las figuras con claroscuros, el uso del color abandonando el color negro con colores planos y retratar momentos que no se van a volver a repetir. 00:19:50
la pintura no tiene 00:20:10
ninguna consideración moral, no tiene ningún sentimiento 00:20:13
es decir, muestra la realidad como la vemos 00:20:15
en un momento determinado con la disolución 00:20:17
que hace la luz de los colores 00:20:19
de Velázquez en el paisaje de los 00:20:20
Médici, esto va a llevar 00:20:23
a una reacción posterior, es decir, este arte 00:20:25
ha separado la vida del arte 00:20:27
quitando un poco lo de Renoir, pero ya les he dicho 00:20:28
que Renoir nos ofrece una visión 00:20:31
agradable de realidad 00:20:33
pero la visión de París de fin de siglo XIX 00:20:35
no es tan agradable como la que nos está 00:20:37
mostrando, es decir, a partir de ese momento 00:20:39
va a haber una relación de artistas que van a intentar, por distintos caminos, unir el arte y la vida. 00:20:40
Y ahí tenemos el posimpresionismo. 00:20:46
El impresionismo no es solo una actitud, incluye varias actitudes artísticas. 00:20:51
Tenemos, por ejemplo, al neopresionismo, 00:20:58
que intenta superar al impresionismo 00:21:04
a los simbolistas 00:21:08
que van a aprender muchísimo de Gauguin 00:21:10
de colores que no tienen que ver 00:21:12
con lo que representan la realidad 00:21:13
como él la está viendo 00:21:15
de Cézanne 00:21:16
que lo que va a intentar es la esencia 00:21:17
de la realidad buscando formas geométricas 00:21:21
de Pyrrhus III, de Degas 00:21:23
y luego de esos primeros 00:21:25
expresionistas donde vamos a encontrar 00:21:27
a la figura 00:21:29
de Van Gogh y a la figura de Munch 00:21:31
que va a entrar en el programa de arte 00:21:34
si se vangó 00:21:35
parte del impresionismo 00:21:37
es decir, no es que lo rechacen, dicen 00:21:39
que buenos son los impresionistas que han roto con la academia 00:21:41
con los valores clásicos, con los valores que 00:21:44
apresionaban al artista 00:21:45
pero rechazo sus valores, sus valores de superficialidad 00:21:47
no han conseguido unir arte y vida 00:21:50
ese va a ser su objetivo 00:21:52
unir arte y vida 00:21:53
igual que 00:21:55
lógicamente con esa importancia del color que han tenido 00:21:57
abandonan la línea 00:22:00
en el dibujo, ellos intentan 00:22:01
recuperar el dibujo y la expresión 00:22:03
esa unidad 00:22:05
de arte y de vida 00:22:08
primero están estos 00:22:09
neopresionistas que 00:22:13
parten de la idea del impresionismo 00:22:15
de captar la realidad 00:22:18
pero van a intentar captar 00:22:19
los estados atmosféricos 00:22:21
a través del puntillismo 00:22:23
el puntillismo consiste en 00:22:25
los estudios de que 00:22:27
los colores se juntaban en la retina 00:22:28
pero 00:22:31
ellos 00:22:33
más que manchas de color van a hacer puntos de color 00:22:34
esos puntos de color como ven en esta 00:22:38
imagen, cuando los separamos 00:22:39
de él, es cuando vemos totalmente 00:22:41
el cuadro 00:22:44
el principal 00:22:44
representante de esta corriente es 00:22:47
Seurat 00:22:49
y su principal obra es una tarde de domingo 00:22:50
en la isla de la Gran Yat 00:22:53
es una crítica 00:22:56
al impresionismo en el sentido de que 00:22:59
estoy cogiendo un tema de impresionismo 00:23:01
estoy me yendo a un parque 00:23:03
y estoy pintando alrededor del parque, pero cuidado 00:23:04
si los impresionistas 00:23:06
hacen la pintura 00:23:08
al día libre, a plener 00:23:10
lo que hemos visto por ejemplo en Monet 00:23:12
Renoir 00:23:15
menos el Moulin de la Galette, sí, también lo hace 00:23:17
para hacer este cuadro 00:23:19
tarda dos años, es decir, es una 00:23:22
obra de estudio 00:23:25
la composición es una composición también 00:23:26
muy geométrica, muy estudiada 00:23:32
por ejemplo, todas las figuras son 00:23:34
como ven, tienen un aspecto 00:23:36
lateral 00:23:39
todas son laterales 00:23:40
laterales, laterales 00:23:43
y las únicas frontales que están avanzando 00:23:44
hacia el espectador es esta dama 00:23:46
con este color rojo 00:23:48
esta falda rosa, con la sombrilla 00:23:51
con su niña 00:23:52
el resto de figuras están en posición 00:23:54
lateral y esta unidad 00:23:56
frontal avanzando 00:23:58
hacia el espectador 00:23:59
Luego están divididos por grupos, por ejemplo, curioso esta mujer con este mono capuchino, es una prostituta, el mono es símbolo de la locuria, pero al lado del caballero tiene un cierto símbolo de respetabilidad. 00:24:02
Con estos valores se meten, por ejemplo, estos personajes bien vestidos, de alta burguesía, junto con este otro señor de una clase más modesta, en cuanto a la sensación de profundidad, la consigue con las zonas de luz y un poco más de oscuridad. 00:24:16
las figuras del fondo 00:24:40
estas se ven perfectamente 00:24:43
si nos acercáramos muchísimo 00:24:45
es formada por figuras 00:24:46
y es cuando nos aceleramos, cuando vemos 00:24:49
un hombre, una mujer 00:24:51
que está agarrando al hombre 00:24:53
por el cuello o 00:24:55
abrazándolo 00:24:57
luego como la luz al impactar 00:24:57
son las figuras geométricas 00:25:01
son cilindros, las mujeres 00:25:03
con las faldas, son formas 00:25:07
muy sonométricas que van a ser luego 00:25:09
tomadas por 00:25:11
el cubismo 00:25:12
¿de acuerdo? 00:25:16
el tema que ya les he dicho 00:25:17
es una pintura al aire libre 00:25:18
pero es un poco de crítica 00:25:21
es decir, si estoy tomando un tema 00:25:23
vuestro, de los impresionistas 00:25:25
pero con una elaboración científica 00:25:27
que detenga la teoría del puntillismo 00:25:29
porque al final los colores 00:25:31
están mezclando la retina 00:25:33
es una teoría del color muy 00:25:34
elaborada 00:25:36
¿De acuerdo? Con lo cual, sí. Es decir, la pintura no es la superficialidad que me está montando el impresionismo. Hay detrás de él un auténtico estudio que nos intenta retratar la realidad. Eso sí, de una forma científica. 00:25:37
ahora vamos a ver la parte 00:25:51
de la impresión de sí mismo más 00:25:53
relacionada con el sentimiento 00:25:55
ahí van a estar los simbolistas 00:25:59
es decir, el arte tiene que 00:26:01
revelar lo que hay dentro de la persona 00:26:03
entonces por ejemplo ahí están 00:26:05
los navis o los 00:26:07
profetas en el que se va a usar 00:26:09
colores puros, manchas de colores 00:26:11
que va a ser el camino hacia el arte abstracto 00:26:12
por ejemplo aquí se ve la casa pero se está 00:26:15
disolviendo tanto que lo que intentamos 00:26:17
El sentido anímico del artista. Y los simbolistas van a tomar mucho de Gauguin. Hay libros de arte que meten a Gauguin dentro del simbolismo, otros que hablan de él como el percusor del simbolismo. Lo importante de Gauguin es que va a unir lo que ve y lo que siente. 00:26:19
por ejemplo en esta 00:26:37
en esta visión después del sermón 00:26:40
muestra 00:26:42
unas mujeres 00:26:44
que acaban de salir con el párroco 00:26:47
de un sermón y al lado 00:26:48
lo que ellas están imaginando 00:26:51
del sermón que acaban de ver 00:26:53
está 00:26:54
uniendo la realidad 00:26:57
unas mujeres de tonos que acaban de salir 00:26:59
de un sermón y lo que 00:27:01
en su imaginación se está retirando de esa lucha 00:27:02
entre el ángel y Jacob 00:27:05
que se ha hablado en el sermón 00:27:07
los colores son planos 00:27:09
siguen esa línea 00:27:11
que esto 00:27:13
de Manet 00:27:13
de colores planos 00:27:16
se renuncia a la perspectiva y al modelado 00:27:18
no me interesa crear una sensación de profundidad 00:27:21
del cuadro que sea real 00:27:23
el cuadro transmite lo que 00:27:25
yo tengo dentro 00:27:26
puedo ver la realidad 00:27:28
y algo más allá de la realidad 00:27:31
yo creo mi propia realidad 00:27:33
El cuero no representa la realidad que está viviendo, está representando mi realidad. Él piensa que la sociedad que él vive, una sociedad burguesa, que se abandona a su mujer, a su hijo, a su trabajo, tiene que ir a sociedades primitivas que llevan al origen del ser humano para regenerar el arte y regenerar la sociedad. 00:27:35
el uso del color, el uso 00:27:59
de esos colores que no tienen que ver con la realidad 00:28:02
que la realidad es la que se inventa 00:28:04
el color es el que se adquiere, que los árboles 00:28:06
son marrones, pues es que era 00:28:08
un árbol violeta 00:28:10
no tiene sentido el color, el color no tiene 00:28:12
que representar la realidad, pero va a representar la realidad 00:28:14
que yo quiero, ¿de acuerdo? 00:28:16
en esta línea 00:28:18
pues tiene esta visión 00:28:19
después del sermón 00:28:22
con una composición que está 00:28:23
por un lado composición abierta, vean aquí 00:28:26
por ejemplo el rostro del hombre 00:28:28
que es el sacerdote que queda 00:28:30
inconcluso, por otro lado 00:28:31
la rama del árbol 00:28:34
con esta 00:28:36
vaca propia 00:28:38
de la zona de Bretaña 00:28:39
con estas mujeres 00:28:41
que acaban de salir 00:28:43
del sermón 00:28:45
dado por el sacerdote y están en este lado 00:28:47
del cuadro recreando 00:28:50
lo que ya se están viendo 00:28:52
recreando 00:28:53
su pensamiento, esto es un poco el origen del surrealismo 00:28:56
es decir 00:28:58
a través de la pintura 00:28:59
el mundo es consciente 00:29:01
el tratamiento de las figuras es un tratamiento de las figuras planas 00:29:03
intenta ver 00:29:06
él cree que en esta zona 00:29:08
de Bretaña 00:29:10
las figuras son más auténticas porque no hay 00:29:10
tanto contacto con 00:29:14
esa sociedad urbana, industrial 00:29:16
burguesa que él está viviendo 00:29:18
el dibujo es 00:29:19
curioso porque las manchas son 00:29:22
manchas de color 00:29:24
planas totalmente 00:29:25
entonces hay que meterlas 00:29:27
dentro de una línea negra, muy bien definidas 00:29:29
como en las librerías de la edad media 00:29:31
eso se llama técnica de cloisonismo 00:29:33
dibujar líneas 00:29:34
dibujar a lo mejor aquí 00:29:36
que diferencie el color rojo de aquí 00:29:38
de el color de interior 00:29:40
líneas que marcan muy bien 00:29:43
el color, la mancha de color 00:29:45
de un sitio y la mancha de color de otro 00:29:47
pero mancha de color, no un color graduado 00:29:48
los colores son inventados 00:29:51
es decir, este color rojo de aquí 00:29:54
Pues no es un color del suelo, no, el suelo es rojo, no, me lo acabo de inventar. El tema, bueno, ya se ha hablado, es un tema religioso, pero está recreando lo que las mujeres están pensando, la importancia de las significaciones, pues es la pintura que está retransmitiendo lo que el pintor está sintiendo, creando su propia realidad ajena a la realidad del mundo. 00:29:56
en esta búsqueda de lo primitivo 00:30:21
de lo original, va hacia 00:30:25
la zona de la Polinesia 00:30:26
y va a Paitín y hace esta obra 00:30:28
que se llama Tamatete en Mercado 00:30:31
en la composición 00:30:32
pues coge, aparte de ir a 00:30:34
una sociedad primigenia, una sociedad original 00:30:37
alejada de los valores industriales de la siglo XIX 00:30:38
pues coge 00:30:40
la pintura egipcia 00:30:43
las figuras vistas 00:30:45
de frente 00:30:46
y el cuerpo y la cabeza 00:30:47
vistas a lo lateral 00:30:51
¿de acuerdo? es decir, por un lado 00:30:52
la composición es abierta 00:30:54
esta figura está 00:30:56
incluso, está 00:30:58
no concluida 00:31:00
con un cuadro distinto 00:31:01
el pie está visto 00:31:04
como si fuera una perspectiva 00:31:06
alta 00:31:08
y el pareo 00:31:11
está de una 00:31:16
perspectiva frontal, está juntando 00:31:18
incluso cuadros distintos 00:31:20
en cuadros fotográficos 00:31:21
distintos 00:31:24
esa es la cuestión del tratamiento de las figuras 00:31:25
el dibujo es lo mismo 00:31:28
es decir, están muy marcadas las figuras 00:31:30
con la técnica del progresionismo 00:31:31
hay líneas muy fuertes que marcan 00:31:33
los colores son colores 00:31:35
fuertes 00:31:37
colores vivos 00:31:40
hay colores cálidos, por ejemplo el rojo 00:31:41
colores macios como el azul 00:31:44
o este violeta, los árboles como ven 00:31:45
no tienen que ver con la realidad 00:31:47
que el color me lo invento, el color de un árbol de amor 00:31:49
es violeta, no 00:31:51
yo represento la realidad 00:31:53
como la siento 00:31:55
las expresiones 00:31:57
son 00:32:01
originales 00:32:02
no muestran 00:32:05
tampoco mucho sentimiento 00:32:07
el tema son las prostitutas 00:32:08
que se están ofreciendo en este mercado 00:32:10
de la ciudad de Haití 00:32:13
por lo cual también va una crítica 00:32:15
a la sociedad occidental que ha introducido 00:32:16
la prostitución 00:32:19
en una sociedad donde no existía 00:32:20
esa situación 00:32:22
la importancia del cuadro es 00:32:23
la aportación de Gauguin 00:32:26
la importancia de los colores 00:32:28
tan fuertes, tan 00:32:30
inventados 00:32:32
que no tienen que ver con la realidad 00:32:34
para crear su propia realidad 00:32:36
en esta búsqueda 00:32:38
en esta superación del posimpresionismo 00:32:43
tenemos a Cézanne, Cézanne va a buscar 00:32:44
lo esencial de la naturaleza 00:32:46
si los impresionistas buscaban lo fugaz 00:32:49
va a intentar buscar lo esencial 00:32:51
y los esenciales están en formas geométricas 00:32:53
e incluso 00:32:56
la realidad tiene varios puntos de vista 00:32:56
pues tendré que intentar en la misma imagen 00:32:59
hacer esos múltiples 00:33:01
puntos de vista, recuerden esto lo que vimos 00:33:03
con el pintor inglés 00:33:05
en el baño turco, esa mujer 00:33:07
con un pecho frontal, otro pecho lateral 00:33:09
pues él va a intentar 00:33:11
y para él la pintura 00:33:12
es investigación y es una representación 00:33:15
de la pintura, lo que tengo que hacer 00:33:18
investigar sobre ella 00:33:19
todo esto le permite 00:33:22
que si el hijo de un banquero, su padre quiere que sea 00:33:23
banquero, él no quiere ser banquero 00:33:26
cuando muere su padre recibe la herencia y esto le permite 00:33:27
durante toda gran parte de su vida 00:33:30
para realizar estos estudios 00:33:32
pictóricos 00:33:33
este bodegón 00:33:34
es decir, bodegón, tema barroco 00:33:37
para una decoración de una casa 00:33:39
pues no, este bodegón es una 00:33:41
investigación que él realiza sobre 00:33:43
las formas 00:33:45
Entonces, la composición, por ejemplo, tiene este plato, la visión es como si la estuviese en un encuadre de arriba, sin embargo, este frutero está visto como si lo estuviera visto de frente. 00:33:47
Es decir, está juntando en el mismo dibujo dos puntos de vista totalmente distintos. 00:34:02
Incluso ya que mantén, porque estos son objetos distintos, 00:34:12
está juntando que lo estoy viendo de frente y que lo estoy viendo también de lado. 00:34:15
Esto es el origen luego del cubismo. 00:34:19
Y estoy reivindicando a modelar las figuras a través de gradación de color. 00:34:23
El color es una mancha en sí. 00:34:28
Estoy jugando a recrear esto, a recrear todo esto a través de la pintura. No es que yo como pintor, que si tengo un bodegón, que vean qué es la fruta, como en el barroco, cómo la fruta se está deteriorando, los animales. Es cómo busco las formas y los volúmenes para transmitir la esencia de la realidad. 00:34:30
en esta línea 00:34:56
también están estos jugadores de cartas 00:34:59
de design 00:35:02
la composición 00:35:03
es una composición muy estudiada 00:35:05
en donde 00:35:07
en principio 00:35:10
es una composición muy centrada 00:35:12
lo que pasa es que 00:35:13
el punto central lo da 00:35:15
la botella, lo que pasa es que la botella 00:35:17
no está completamente en el lado central 00:35:19
el cuadro tiene una composición abierta 00:35:21
este jugador no está como ven 00:35:24
totalmente en el cuadro, en el encuadre del cuadro. Luego, como ven, los puntos de atención 00:35:26
donde están fijando son las cartas y están marcando diagonales, que están marcando triángulos 00:35:35
en el cuadro. Los colores son colores cálidos, pero hay una contraposición, son como dos 00:35:42
jugadores que están enfrentándose y entonces en esa contraposición, en esa especie de 00:35:48
enfrentamiento, en ese juego 00:35:54
que están teniendo, con los cuales 00:35:56
también hace ese juego 00:35:58
por ejemplo 00:35:59
si el pantalón de este 00:36:02
jugador es marrón 00:36:04
el sombrero de este 00:36:07
es marrón, si el pantalón de este 00:36:08
es amarillo 00:36:10
la vestimenta 00:36:12
de este, de la parte superior, es amarilla 00:36:14
ese contraste lo está 00:36:16
haciendo 00:36:18
el espacio, bueno, pues es decir 00:36:19
No crea sensación realmente de profundidad y lo que importa es el tratamiento de las figuras. 00:36:24
Se está cogiendo figuras geométricas, el cilindro del bombín, las cartas, la botella, 00:36:29
se están transmitiendo formas geométricas puras y a partir de ahí, a través de esas formas geométricas puras, 00:36:39
se está transmitiendo la fecheza, la tensión que están teniendo en el juego. 00:36:45
no hay expresiones 00:36:51
si todas las expresiones 00:36:53
a través de las formas 00:36:55
la importancia de la significación del cuadro es que se está buscando 00:36:56
la realidad 00:36:59
más íntima 00:37:01
de las figuras 00:37:02
a través de las formas geométricas 00:37:04
es decir, nos intenta transmitir la realidad a través de las formas 00:37:07
geométricas más puras 00:37:09
esta misma línea 00:37:10
en estas 00:37:13
distintas versiones de esta serie de la montaña 00:37:15
la Santa Victoria, pues es lo mismo 00:37:18
formas geométricas puras para transmitirnos la realidad, la esencia de las cosas. Son pinturas, paisajes, pero no intentan captar la fugacidad, sino que intentan transmitir lo esencial del paisaje. 00:37:21
Esto va a ser también uno de los orígenes del cubismo. Como origen del cubismo están las grandes vanistas, que va a ser una de las obras que va a tener como referencia Picasso. 00:37:38
Y luego también están los primeros expresionistas, es decir, transmitir los sentimientos a través de los colores, ¿de acuerdo? Y ahí tenemos a Van Gogh, su expresión, su sentimiento va a ser a través del color. 00:37:54
Es intentar unir actividad y se va a intentar responder a preguntas, es decir, ¿qué sucede conmigo que mis valores no concilian con los valores de la sociedad en la que vivo? ¿Qué puedo hacer yo como artista para unirme a la vida, para transmitir lo que siento? 00:38:12
Es decir, estas reflexiones, esta investigación que le hace, que le lleva a la enfermedad, que le lleva a su enfermedad con trabajo, es lo que va a determinar toda su vida. Históricamente hace unas pinceladas muy cortas, llenas de rigor, en algunos sitios con mucha materia en su pincelada. 00:38:30
en ese autorretrato 00:38:52
esas pinceladas, esas formas 00:38:57
ondulantes 00:38:59
tanto en el exterior como en su propio interior 00:39:01
en su propia cara 00:39:06
intentan mostrar esa realidad 00:39:07
que se está desbordando 00:39:09
de él, esos sentimientos que le está teniendo 00:39:12
en los cuadros famosos 00:39:14
de los girasoles 00:39:16
pues que simboliza 00:39:17
una naturaleza quieta 00:39:18
tranquila, una naturaleza inquietante 00:39:21
los dos cuadros que entran dentro del plomo de Bau 00:39:23
pues estas son obras 00:39:28
realizadas en su internamiento 00:39:29
psiquiátrico en la Provenza 00:39:32
y él pinta ambos 00:39:34
desde lo que está 00:39:36
viendo desde las habitaciones del 00:39:38
hospital donde él se recluyó 00:39:39
voluntariamente 00:39:41
la composición de este cuadro del Segador es una 00:39:42
composición en cruz 00:39:46
una composición cerrada en ese sentido 00:39:47
el dibujo 00:39:50
está muy marcado 00:39:52
Está muy marcado el dibujo, como había hecho Gauguin en ese coleccionismo. También tiene relaciones con Gauguin. 00:39:55
Los colores, pues tenemos esos colores amarillos, cálidos, en relación con el campesino, con el campo de trigo, con el color más frío azul, esta transición de color más verde. 00:40:09
La figura retrata muy bien el movimiento de la figura, cómo la figura está en ese campo de trigo, de calor, de verano, sigando. 00:40:25
Tiene mucho a Millet, esas obras, esa dignificación del trabajo. 00:40:39
y el tema 00:40:48
o el significado, vale, puede parecer 00:40:51
un tema costumbrista, pero vamos allá 00:40:53
es decir, él ve en este 00:40:54
uno escribe que aquí él ve la muerte 00:40:55
pero no una muerte 00:40:58
como algo 00:40:59
tenebroso, sino como 00:41:03
algo, el fruto del 00:41:05
trabajo, como algo 00:41:06
agradable, es decir 00:41:08
no, 00:41:10
vamos a morir, pero lo lógico 00:41:11
es la 00:41:14
Es una muerte dentro de una reflexión, una muerte tranquila dentro de ese calor que estaba viviendo en ese momento en el campo en verano. 00:41:15
Otra pintura de ese periodo, en ese psiquiátrico, La noche estrellada, divide la composición del cuadro, está marcada por esta línea del horizonte muy bajo para marcar más la cuestión del cielo. 00:41:25
está marcada por 00:41:44
las casas 00:41:47
diagonales 00:41:48
y el punto de unión entre el cielo y la tierra 00:41:49
bien 00:41:53
es este ciprés de aquí 00:41:55
bien es este campanario 00:41:56
los colores 00:41:59
como ven 00:42:03
tienen mucha corporidad 00:42:03
la pintura está con una gran masa 00:42:06
con una gran cantidad pictórica 00:42:09
son colores 00:42:10
violentos 00:42:13
como este amarillo 00:42:16
fríos 00:42:17
como este color azul 00:42:19
prima 00:42:22
la luz 00:42:26
está dada por estas estrellas 00:42:27
que están dando esa luz 00:42:29
de forma ondulada 00:42:31
y todo va 00:42:33
realmente más que un paisaje 00:42:35
lo que está representando es su interior 00:42:37
Es decir, es la alegoría de cómo el alma se eleva, sale del cuerpo y va hacia un cielo, un cielo violento, un cielo no quieto, un cielo que refleja todas sus inquietudes. 00:42:39
en esta línea también está 00:42:52
Munch, dentro del expresionismo 00:42:58
con esta famosa obra del grito 00:43:00
comparte mucho 00:43:02
con 00:43:04
Van Gogh en las líneas onduladas 00:43:05
para transmitir 00:43:10
toda la inquietud que hay dentro 00:43:12
de las personas 00:43:16
intentar unir en la pintura ese arte 00:43:18
y vida que el expresionismo había 00:43:20
separado 00:43:22
en esta obra 00:43:24
de la pubertad de esta joven 00:43:26
con esta sombra que es 00:43:28
la amenaza de las cosas que están 00:43:30
por venir 00:43:32
y por último 00:43:33
para un poco finalizar 00:43:36
este autor que no entra en el programa 00:43:38
de Bago, pero bueno 00:43:40
la otra 00:43:41
faceta plástica, es decir 00:43:43
que es el clínico y el modernismo 00:43:46
es el simbolismo pero 00:43:47
de un gusto exquisito, de una pintura 00:43:50
bidimensional en que 00:43:52
la belleza del cuadro 00:43:54
no es en la representación de la realidad 00:43:56
que es una realidad de ella, no, está en el propio 00:43:58
cuadro, hay cosas que está 00:44:00
transmitiendo el propio cuadro 00:44:02
por ejemplo, en este 00:44:04
beso, es decir, es la unión 00:44:06
de un hombre y una mujer 00:44:08
que no parecen 00:44:10
que no parecen cuerpos distintos 00:44:11
sino que aparecen fusionados dentro del mismo cuerpo 00:44:14
con un fondo 00:44:16
que transmite la misma sensación de 00:44:18
de calma, de tranquilidad 00:44:20
de unidad 00:44:22
El arte es lo que estoy representando, no hay más allá, es decir, lo que hay es la realidad que yo estoy representando, no estoy en la realidad exterior, no es que sea un hombre y una mujer real, la realidad del cuadro es la realidad que en ese momento estoy plasmando y con una realidad bidimensional, es decir, no quiero crear ninguna sensación de profundidad, renuncio a crear sensaciones de profundidad, claroscuros, etc. 00:44:24
no me interesa, me interesa lo que estáis viendo ahora mismo, lo que estamos viendo en este momento es lo importante, pues hasta ahí las artes plásticas en el siglo XIX, entendiendo sobre todo por pintura que había aparte de la escultura, pues nada, un saludo muy fuerte, hasta la próxima grabación. 00:44:49
Autor/es:
Antonio Fernández Sánchez
Subido por:
Antonio F.
Licencia:
Reconocimiento - No comercial - Compartir igual
Visualizaciones:
66
Fecha:
4 de mayo de 2021 - 12:46
Visibilidad:
Público
Centro:
IES CARPE DIEM
Duración:
45′ 11″
Relación de aspecto:
1.78:1
Resolución:
1280x720 píxeles
Tamaño:
217.23 MBytes

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