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10.8. La pintura barroca española - Contenido educativo

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Subido el 30 de marzo de 2021 por Antonio F.

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Hola, buenas tardes, o buenas noches, o buenos días, según el momento en que vean la grabación. 00:00:01
Vamos con el último punto del tema, la pintura barroca española. 00:00:07
Y aunque el tema, bueno, estamos en historia del arte, me gustaría planteárselo, como hice en clase, 00:00:12
cuando lo expliqué en clase presencialmente, me gustaría que este tema les pudiera servir también 00:00:19
para comprender cómo, a través de la pintura, cómo era la vida de las personas que vivían en la monarquía hispánica, 00:00:26
en el territorio de la Colonia de Castilla o de la Colonia de Aragón, en ese siglo XVII. 00:00:35
Es un recurso, más que estudiar de memoria, por ejemplo, los epígrafes de la historia de España, 00:00:40
a través de la pintura, a través de la mentalidad, incluso, por ejemplo, a través de los cuadros de Murillo 00:00:49
o de esa vida cotidiana que muestra Murillo, pero con dignidad, o José de Rivera. Es decir, conocer cómo vivían en ese momento, qué mentalidad tenían, incluso la concepción política que tenían de la monarquía hispánica, la propia monarquía, la imagen que quería vender a través de sus cuadros de Salón de Reinos de Velázquez, 00:00:55
o la concepción tan estamental, tan poco favorable a las artes manuales. Ejemplos previos de Velázquez, la lucha que en muchos de sus cuadros, 00:01:19
es decir, de terrenos de muchos de sus cuadros, esa segunda lectura muy previo del barroco, una lectura dentro de otra lectura del cuadro, 00:01:35
en el que defiende la pintura 00:01:40
como un arte intelectual, no como 00:01:43
un arte manual 00:01:44
que se ve por ejemplo en las hilanderas 00:01:45
en la propia fragua del 00:01:48
vulcano, las meninas 00:01:50
todos esos rasgos para conocer mejor 00:01:51
esa sociedad en la monarquía 00:01:54
hispánica, las personas que vivían 00:01:56
en esa España del siglo XVII 00:01:58
nos lo puede dar muy bien la 00:02:00
pintura, es decir, es una fuente 00:02:02
que yo les invito a verlo también 00:02:04
de todas formas vamos a ver también lógicamente 00:02:06
el tema desde la 00:02:08
Desde la concepción artística, ¿vale? Nos vamos a los rasgos generales de la pintura española. Casi toda la técnica del soporte va a ser como hemos visto en el barroco. Ese tema, en cuanto a rasgos generales, ya los hemos visto en la pintura del barroco. 00:02:10
Si vemos mejor ya Velázquez, que es la puesta en marcha de todos esos elementos de la pintura barroca, pero ya los hemos visto, pero bueno, repasemos un poquito. 00:02:27
Técnica, soporte, pues el soporte va a ser fundamentalmente el lienzo y la técnica, pues técnica, el óleo. 00:02:39
Naturalismo, realismo. Más bien, es decir, si leen diversos autores o autoras especialistas en historia del arte, van a hablar de naturalismo, 00:02:46
en el sentido de que van a intentar captar las escenas cotidianas del siglo XVII, por ejemplo, esta gran familia del pajarillo de Murillo, es la mesa de un carpintero, es una mujer del siglo XVII, un carpintero del siglo XVII con un niño del siglo XVII, es decir, nos está mostrando la realidad de ese siglo XVII. 00:02:54
Ese naturalismo, en cuanto nos muestra la realidad, incluso esa humildad, esa pobreza, esa sencillez de las cosas reales que nos llevan a lo sagrado, predomina la luz sobre el dibujo y, lógicamente, el color. 00:03:22
La luz que puede ir desde ese tenebrismo, por ejemplo, este Martí de San Felipe de José de Rivera, hasta estos paisajes de la Villa Mideci, de este segundo viaje Italia que hace Velázquez, en el que ya es el juego de la pintura pura, en el juego en el que el pintor ve cómo en determinados momentos del día la luz impacta sobre los objetos. 00:03:37
Es decir, color y luz es el eje de la pintura del barroco. Composiciones con diagonales, este cuadro de Rivera, luego lo veremos. Es decir, las espirales que se van, el movimiento a través de la espiral es importantísimo en la pintura barroco. 00:04:05
un rasgo de la pintura 00:04:28
española, como hemos visto 00:04:29
los temas, que ya lo están viendo aquí 00:04:31
en estos dos, por ejemplo, de José de Rivera 00:04:34
o este Murillo 00:04:36
es fundamentalmente 00:04:36
religioso, con lo cual 00:04:39
la sensualidad prácticamente 00:04:42
es ausente 00:04:43
solo hay unas pequeñas excepciones 00:04:44
que son esa Venus 00:04:47
del espejo de Velázquez, pero siendo 00:04:49
Velázquez quien es, si Velázquez 00:04:51
lo que les he dicho antes, que también lo expliqué 00:04:54
en clase, es capaz de hacer esta Villa 00:04:56
Medici, me siento 00:04:58
y hago el placer de la pintura 00:05:00
de estudiar la pintura por la pintura 00:05:02
porque es alguien muy especial 00:05:03
es el pintor del rey, alguien que tiene 00:05:06
una relación muy fuerte con el rey, alguien que se puede permitir 00:05:08
el lujo de hacer esto, ¿de acuerdo? 00:05:10
En la pintura española 00:05:13
no, es decir, la pintura española, un Rivera 00:05:14
o un Murillo, incluso verás que en esos 00:05:16
primeros años tiene unos clientes 00:05:18
o bien nobleza con cuadros de género 00:05:19
o en la propia Sevilla, comerciantes flamencos 00:05:22
porque Sevilla es el centro del comercio en ese momento 00:05:24
del mundo, es donde está 00:05:26
el principal puerto de India 00:05:27
es decir, además es un comercio de monopolio 00:05:29
todo comercio tiene que pasar, en teoría 00:05:32
tendría que pasar por esa ciudad 00:05:34
con lo cual es una de las ciudades más 00:05:36
cosmopolitas del mundo 00:05:38
con todo esto 00:05:39
el arte 00:05:43
es muy poco sensual, es decir, solo es 00:05:44
abstención de Velázquez 00:05:47
y la temática con la que estamos diciendo ahora mismo 00:05:49
fundamentalmente religiosa 00:05:51
y si es de carácter profano, pues relacionada con la corte puede haber algún tema mitológico como lo sé con Velázquez 00:05:53
o también algún cuadro que pinta Velázquez como favores excepcional a algún noble, como por ejemplo es el de las hilanderas, 00:06:03
para un noble muy cercano al rey, que es el montero del rey que organiza las cacerías, ¿de acuerdo? 00:06:13
hay como una evolución 00:06:18
es decir, partimos de un naturalismo 00:06:22
tenebrista, de Caravaggio 00:06:23
por ejemplo con ese Rivera 00:06:25
iremos hacia 00:06:27
búsquedas audaces 00:06:29
propio Velázquez 00:06:31
pero partiendo de esa especialidad 00:06:33
de ese genio que es Velázquez 00:06:35
ya no sólo 00:06:37
por la cuestión de la 00:06:38
habilidad técnica 00:06:41
de los recursos intelectuales que él tiene 00:06:43
sino, como les he dicho 00:06:45
de su posición en la corte, de sus contactos en la corte que tiene, poder acceder a colecciones 00:06:48
de pintura, conocer a pintores como el propio Rubens, que ya hemos hablado de él, y luego 00:06:53
el color, lógicamente. Vamos a dividirlos, menos Velázquez, por escuelas, ¿de acuerdo? 00:06:58
Para que nos sea más fácil tener datos generales de los pintores y que nos sea más fácil 00:07:03
estudiarlo, ¿de acuerdo? Por eso lo vamos a dividir en escuelas en la pintura española. 00:07:08
Con este concepto de escuela empezaremos con la escuela valenciana, con Aragón, contactos con el sur de Italia, contactos por lo tanto con Caravaggio, por lo cual muy influenciados por el tenebrismo y el naturalismo de este autor marroco como Caravaggio. 00:07:12
Aquí tenemos a José de Rivera, también conocido como el Españoleto, porque estuvo en la zona de Nápoles, era una persona de poco tamaño y los pintores que frecuentaban al Españoleto, es decir, como el Españolito, en relación con su tamaño pequeño. 00:07:32
Los rasgos son personajes muy atormentados, mostrando esa ruina del cuerpo que también, como lo he visto en Caravaggio, nos mostraba desde el naturalismo. Es decir, si el cuerpo de una persona está demacrado, pues se muestra el tono demacrado, pero sin necesidad de indagar en la faceta anecdótica, sino dignificando la figura. 00:07:54
Es un arte, pues es dramático, ¿vale? Es un arte sombrío, no tiene muchas lápiz, aunque luego sí, su paleta se irá aclarando, pero inicialmente es una paleta un poquito oscura de colores, pero luego se va aclarando. 00:08:24
Tenemos por ejemplo dentro de este primer momento este martillo de San Felipe, óleo sobre lienzo, la composición como todo buen cuadro barroco ya lo hemos visto en la pintura barroca española, lo volvemos a repasar, lo hemos visto también en clase, marcada por diagonal, tiene la diagonal del brazo, la diagonal que va con la pierna con esta figura de este sallón con ese color distinto al resto, 00:08:37
marcándolo con ese tono más rojizo. 00:09:06
Luego, la otra diagonal del otro brazo, en este caso marcada por la espalda, por sus personajes, 00:09:10
composiciones triangulares formadas por las cuerdas que van izando a este santo, a este aspe. 00:09:19
Si nos fijamos, por ejemplo, en la luz, pues la luz está impactando, borro la pantalla, 00:09:31
ahí, perdón, impacta sobre este lado, ¿vale?, ¿de acuerdo?, dejando un poquito en sombra este otro, ¿de acuerdo? 00:09:41
Hay una composición en distintos planos, por ejemplo, en primer plano, lógicamente, el santo, 00:09:51
Felipe, en segundo plano nos encontramos a un grupo de espectadores que mira con atención o con curiosidad, con morbo el martirio, otros personajes en este segundo, incluso tercer plano de aquí al fondo, aquí también tienes el tercer plano, y luego el fondo. 00:10:01
Bueno, con esa sensación de distintos planos va creando la propia sensación también de perspectiva del cuadro, una intuición de una perspectiva aérea. En cuanto a expresión de las figuras, bueno, luego la luz va moldeando lógicamente las figuras con esta acción de tenebrismo, este claro oscuro no muy forzado, pero bueno, ahí lo tienen. 00:10:20
borramos 00:10:43
expresión 00:10:46
aquí se ve el naturalismo 00:10:47
un cuerpo 00:10:50
demacrado 00:10:52
por años, por los años que tiene 00:10:53
por las 00:10:56
pasiones que ha tenido anteriormente 00:10:59
por el sufrimiento 00:11:01
etcétera, tienen un cuerpo 00:11:03
dolorido, un cuerpo que está en tensión 00:11:04
¿vale? 00:11:07
es un rostro real, vean 00:11:08
incluso el bigote, la barba 00:11:11
es decir, es un personaje del siglo XVII para que el espectador se identifique con él, ese martirio que está sufriendo a un ritmo muy lento, porque se nota que lo están izándole, pero a un ritmo lento, esa sumisión al destino que tiene. 00:11:13
Lo hemos visto también, por ejemplo, en la imagen de Sancillo, en su oración en el huerto. Es la idea del barroco que se intenta transmitir, es decir, todo tu sufrimiento en esta vida no te preocupes que será recompensado en el más allá, que tú en esta vida tienes que someterte a la regla, a tu destino. 00:11:35
Es la imagen de ese martillo que nos intenta transmitir tema religioso, como ven, para un cliente, lógicamente, también religioso. 00:11:53
Este otro cuadro, también de Rivera, el fioleto, se llama El sueño de Jacob, el soporte y la técnica es lo mismo, es decir, siempre oleo sobre el lienzo, la composición, pues como estamos en el barroco vamos a tener diagonales, 00:12:06
el tronco del árbol 00:12:25
nos da esta diagonal 00:12:33
con esta contraposición 00:12:34
de esta otra diagonal, de esta rama 00:12:37
que está saliendo 00:12:38
parece un árbol muerto pero 00:12:40
de esta rama que está como quebrantada 00:12:42
está surgiendo ramas 00:12:45
el propio cuerpo 00:12:47
también de 00:12:49
de Jacob 00:12:49
pues también nos muestran diagonales, una diagonal que destaca muchísimo por el efecto lumínico es esta negra luz, que si nos fijamos luego es una de las claves del cuadro, el sueño de Jacob, luego en el tema es una escalera, Jacob es un personaje del Antiguo Testamento, un poquito antes del exilio, en el cual tiene el sueño, 00:12:52
y en ese sueño 00:13:17
conecta con la divinidad 00:13:19
y una escalera de ángeles sube 00:13:21
y baja a través de 00:13:23
esos sueños, la conexión entre el mundo 00:13:25
real y la divinidad 00:13:27
¿vale? pues ahí tiene esa otra 00:13:29
esa otra diagonal, hablando de esa 00:13:31
diagonal 00:13:33
pues nos vamos a la iluminación 00:13:35
¿vale? borramos 00:13:37
es decir, lógicamente 00:13:39
la iluminación está entrando, el foco de luz 00:13:41
entra por aquí 00:13:44
perdón, entra en esta zona 00:13:47
¿vale? dando aquí 00:13:55
la claridad, pero por ejemplo dejando 00:13:56
un poquito más en oscuridad 00:13:58
pues es otra parte del cuerpo 00:14:00
es el tenebrismo ¿vale? 00:14:02
un poquito menos 00:14:05
insinuado sobre todo en esta parte 00:14:06
en donde 00:14:09
es una tanta alarde técnico 00:14:10
como estos 00:14:13
angelitos, yo creo que si 00:14:14
los van apreciando, están subiendo y bajando 00:14:16
por esa escalera 00:14:18
Los colores son colores terrosos o marrones, colores muy oscuros, quitando esa parte más iluminada. El tema es un tema religioso, va relacionado con ese tema del Antiguo Testamento, con ese tema, ya os he dicho, de ese momento antes del exilio y del pueblo de Israel, 00:14:20
donde se permite que existe esa esperanza, esa conexión entre el mundo real y la divinidad. 00:14:46
Lógicamente el espectador a ver un pastor, el espectador a ver este cuadro ve un pastor con las ropas, 00:14:55
con la barba, la forma típica de alguien del siglo XVII, con lo cual va a identificarse con ese personaje. 00:15:00
Y luego ya la propia historia bíblica es la esperanza de la conexión que a pesar del momento que va a tener de exilio del pueblo de Israel, pues que es un pueblo elegido y va a seguir en contacto con Dios, con Yahvé. 00:15:10
A continuación tenemos este de Patizambo 00:15:28
Este Patizambo abre uno de los temas 00:15:33
que luego también desarrolla Murillo 00:15:36
desarrolla Beratke 00:15:38
como es el tema de los menos afortunados 00:15:40
pero con una gran dignidad 00:15:42
una gran humanidad 00:15:44
en el que podemos hablar que la pintura 00:15:45
dignifica a estos personajes 00:15:47
es decir, no los humilla 00:15:48
sino les rescata 00:15:49
y muestra su faceta más humana 00:15:52
en el cuadro 00:15:55
En este Patizambo 00:15:56
el soporte y la técnica 00:15:58
Luego es el óleo sobre el lienzo. La composición está dividida en tres planos, marcada por, por ejemplo, este primer plano con esta muleta, marcada por la diagonal. Aquí tiene este papelito, que luego lo veremos en la temática, donde se está pidiendo una limosna, que era el papel con el que se pedía limosna en el sur de Italia. 00:15:59
luego tiene esta segunda parte 00:16:22
del cuadro que les estoy 00:16:25
marcando aquí, perdón 00:16:27
lo vuelvo a borrar, lo marco 00:16:29
por aquí, otra vez 00:16:32
ay, se ha ido mal 00:16:33
vale, en este caso 00:16:35
con esta espalda contrahecha 00:16:41
está marcando 00:16:43
aspectos curvos y luego 00:16:45
está la tercera parte 00:16:47
viene marcada por las 00:16:49
por las piernas 00:16:51
sobre todo por el pie 00:16:53
marco, sobre todo por la parte 00:16:55
esta del pie, este pie contrahecho 00:16:59
que no puede apoyar 00:17:01
por ese defecto físico 00:17:03
que tiene 00:17:04
los colores como ven son 00:17:06
oscuros, de ropa 00:17:08
terrosa tal como 00:17:11
vestían en el siglo XVII 00:17:12
porque el cuadro corresponde a un personaje 00:17:15
del siglo XVII 00:17:17
de ahí el naturalismo 00:17:18
pero 00:17:20
importante por ejemplo es fijarse en el rostro 00:17:22
Es muy parecido a lo que va a hacer Murillo, lo que hace Velázquez. Dignifica ese tipo de personajes y vemos un personaje que a pesar de su defecto es conocedor, no se apena, sino que vive y disfruta de la vida con esa sonrisa. 00:17:25
es cierto que si nos fijáramos 00:17:46
en un filme teníamos la dentadura 00:17:47
una dentadura destellada 00:17:50
propia del siglo XVII 00:17:52
de esa falta de higiene bucal que existía 00:17:54
pero alguien sonriente 00:17:55
alguien que 00:17:57
estoy lisiado 00:17:59
pero soy un ser humano 00:18:01
también hay que tener en cuenta 00:18:03
ahora nos vamos al siguiente punto 00:18:06
a la temática 00:18:08
como siempre les borro perdón 00:18:09
y nos vamos a la temática 00:18:12
la temática es un cuerpo de género 00:18:13
Un cuadro de género en el sentido de que está pintando algo cotidiano de la vida cotidiana. En este caso, la persona que está pidiendo limosno porque está con esa enfermedad física que no puede apoyar bien el pie. 00:18:16
¿quién paga estos cuadros? 00:18:34
como les digo, ¿vale? pues estos cuadros 00:18:37
los paga 00:18:39
o bien nobleza o bien 00:18:41
como cuadro de género 00:18:42
¿vale? o en Sevilla 00:18:45
lo que pasa es que aquí 00:18:47
estamos hablando de la Escuela Valenciana, también lo podría 00:18:48
pagar, por ejemplo, mercaderes 00:18:51
¿vale? o burguesía 00:18:53
vamos, en España fundamentalmente no existe 00:18:54
ese tipo de burguesía 00:18:57
y estos cuadros 00:18:58
la idea es, por ejemplo, la idea 00:19:00
de caridad, vale 00:19:03
iríamos en la idea de 00:19:03
de la importancia 00:19:07
de la caridad en la vida cristiana 00:19:09
y más con el papelito 00:19:11
que está mostrando 00:19:13
que está pidiendo la limosna 00:19:15
y está escrito en latín, por amor de Dios 00:19:16
y es el papel que le permite 00:19:19
es el papel que les permitía pedir limosna 00:19:20
en el sur de Italia 00:19:23
¿de acuerdo? 00:19:26
pero es ese valor del roco 00:19:28
decir, no, con estos personajes 00:19:30
recrearse 00:19:33
en su dolor, en su defecto 00:19:34
sino dignificarlo como ser humano 00:19:36
y además hablar 00:19:39
de esa importancia 00:19:40
de la misericordia, es la mentalidad lo que les decía 00:19:42
si queremos comprender cómo 00:19:44
pensaban estos hombres del siglo XVII 00:19:46
estas mujeres del siglo XVII, la pintura 00:19:48
nos está dando esas claves, ¿vale? 00:19:50
para acercarnos a ellos 00:19:52
Cambiamos 00:19:54
nos vamos a la Escuela de Sevilla 00:19:58
y nos encontramos con dos estilos distintos, es decir, como ven en estos dos cuadros seleccionados, 00:20:00
por un lado el de Nebrismo de Zurbarán con este bodegón, el bodegón del Museo del Prado, 00:20:05
o este estilo de Murillo con colores, con uso de colores, con efectos más lumínicos, mucho más suave, mucho más dulce, ¿de acuerdo? 00:20:12
Ay, perdón, me he equivocado, del siglo XVII. Disculpenme aquí que me he equivocado, no siglo XVII, sino siglo XVII, lógicamente. 00:20:23
Entonces vamos a Zurbarán 00:20:32
Zurbarán, como siempre le digo 00:20:33
hay que plantearse para quién está pintando Zurbarán 00:20:35
pues pinta fundamentalmente 00:20:38
sus pinturas para monasterios 00:20:39
algunos 00:20:42
para la corte 00:20:43
pero vamos 00:20:46
los temas de corte van a estar 00:20:47
sobre todo para el Salón de Reinos 00:20:50
y le falla 00:20:51
es un pintor que la composición de cuadros 00:20:53
grandes le falla 00:20:56
se le da muy bien 00:20:57
el aspecto cotidiano, la sencillez 00:20:58
de la vida cotidiana, de los objetos cotidianos 00:21:01
pero cuando tienes una composición grande 00:21:04
le falla un poquito 00:21:05
es decir, le falla 00:21:06
en relación con otros grandes maestros como por ejemplo 00:21:09
Velázquez, tiene este 00:21:11
San Hugo 00:21:13
en los efectores de los cartujos, en el comedor 00:21:14
de los cartujos 00:21:17
los cuadros que ya les he dicho que pinta para 00:21:19
el Salón de los Reinos 00:21:21
pinta, como también 00:21:23
expliqué en clase 00:21:25
temas sobre 00:21:26
los viajes de Hércules 00:21:29
con los argonautas, su finalidad es enlazar la monarquía hispánica con la mitología, y ya les comenté también en clase, haciendo esa búsqueda de la joya que lleva la monarquía hispánica, que ha llevado Juan Carlos I, que ha llevado Felipe VI, que llevan todos los monarquistas españoles, que es el Duasón de Oro, de este viaje de los argonautas. 00:21:31
luego dentro de esta pintura 00:21:55
que se pinta 00:21:58
también en este Salón de Reinos 00:22:00
Victoria de los Españoles 00:22:01
hace este socorro de Cádiz 00:22:03
dentro de esta 00:22:06
pintura está 00:22:08
las lanzas de la reedición de Brea de Velázquez 00:22:09
y luego el cuadro 00:22:12
que si entra en tu programa de la historia del arte 00:22:14
es el bodegón del Museo del Prado 00:22:15
soporte y técnica como siempre 00:22:17
el sobrelienzo, la composición 00:22:20
como ven es una composición 00:22:22
muy sencilla 00:22:23
sobre una superficie horizontal, posiblemente una mesa, se colocan esta serie de objetos, este plato, esta copa de cristal, esta loza, 00:22:25
que la propia loza nos está hablando de una clase social alta, ¿de acuerdo? 00:22:44
No de una clase social humilde, sino que es una loza, una cerámica, una juar de una clase social alta. 00:22:51
Marcada por la línea horizontal, que les he marcado el esborro, que les he marcado los objetos también. 00:23:00
Aquí la tienen, ahí, perdón, aquí la tienen la tabla. 00:23:07
están, por ejemplo, las formas redondas 00:23:16
tanto de las cerámicas 00:23:18
¿de acuerdo? como de los 00:23:20
de los platos 00:23:22
¿de acuerdo? 00:23:24
la luz, como ven, está entrando 00:23:26
borro por aquí 00:23:28
la luz está entrando 00:23:29
perdón, por aquí 00:23:31
entra, ¿vale? entra desde la parte 00:23:36
izquierda, eso crea 00:23:38
alguna sombra 00:23:40
este dibujo 00:23:42
está muy bien hecho, es decir 00:23:46
para retratar e impactar la calidad matérica de la cerámica. 00:23:47
En cuanto a la temática del cuadro, en principio, como ya os he dicho, 00:23:57
es un bodegón, un objeto de vida cotidiana pagada por un particular o por un monasterio, 00:24:04
para un refectorio, que normalmente 00:24:13
para los clientes que trabajaba 00:24:15
zurbarán. 00:24:17
Lo que pasa que va más allá. 00:24:21
Por ejemplo, si tenemos que ir al significado, 00:24:23
nos podemos ir también 00:24:26
a la cuestión 00:24:27
de la sencillez 00:24:29
de las cosas. 00:24:31
Por ejemplo, en el cuadro está marcado 00:24:33
por figuras geométricas. 00:24:35
Por ejemplo, 00:24:41
conferencias 00:24:46
formas triangulares 00:24:48
nos está llevando a la esencia de las cosas 00:24:50
es una excepción con el tema de los bodegones 00:24:53
porque normalmente en el tema de los bodegones se ponen 00:24:55
aspectos de naturaleza muerta 00:24:57
fruta por ejemplo 00:24:59
o un tipo de pescado para ver 00:25:02
cómo el tiempo 00:25:03
marca 00:25:04
a las cosas y las cosas no son 00:25:07
para siempre 00:25:09
porque al buscar estas formas esenciales 00:25:10
si no se está hablando de un tiempo 00:25:14
que permanece 00:25:15
podríamos ir más allá 00:25:16
y este cuadro nos está llevando a la esencia de las cosas 00:25:18
con lo cual nos está llevando a Dios 00:25:21
hay un orden en las cosas sencillas 00:25:23
y ese orden en las cosas sencillas 00:25:25
nos está llevando también a Dios 00:25:27
por eso les decía que a lo mejor 00:25:29
este pintor se pierde en composiciones muy grandes 00:25:30
como hemos visto antes 00:25:33
pero es un genio 00:25:34
en transmitir la sencillez de las cosas 00:25:37
y en esa esencia 00:25:39
de las cosas 00:25:41
la eternidad, la presencia de la divinidad 00:25:42
de lo más divino, de lo más sagrado, de lo más profundo, en esas cosas sencillas. 00:25:46
Pasamos a otro autor de la Escuela de Sevilla, segunda mitad del siglo XVII, 00:25:54
y ha marcado un poquito más por el orden, por la belleza, por el color, 00:25:59
no usa ese tenebrismo de Zurbarán. 00:26:05
Los temas religiosos o escenas de género son imágenes amables normalmente, 00:26:10
Y si nos muestra, por ejemplo, niños, el siglo XVII, golcillos, que se llaman, nos va a transmitir la dignificación de ese personaje. 00:26:17
Inicialmente, por ejemplo, en este cuadro que tenemos ahora mismo, en esta Sagrada Familia del Pajarillo, vemos ese naturalismo, ese tenebrismo, 00:26:32
vemos que va evolucionando y su paleta incluso se va a ir aclarando con el paso del tiempo. 00:26:40
El comentario de esta Sagrada Familia del Pajarillo, pues en principio podríamos decir que combina las dos temáticas. La temática religiosa es una Sagrada Familia. Tenemos a Borro, tenemos a José, al niño Jesús, a la Virgen, pero a la vez es una escena de la vida cotidiana porque nos está mostrando un carpintero del siglo XVII, 00:26:47
cartintero sevillano, perfectamente 00:27:13
identificable en la Sevilla del siglo XVII 00:27:15
con una María 00:27:17
con una Virgen que está 00:27:19
haciendo las labores típicas 00:27:21
como ven, está hilando, está remendando 00:27:23
ropa, aquí tiene el testito de la 00:27:25
ropa 00:27:27
mujer sevillana 00:27:28
del siglo XVII 00:27:31
en cuanto 00:27:32
composición del cuadro 00:27:34
Ramos, bueno pues como 00:27:37
buen cuadro barroco, pues tiene 00:27:39
diagonales 00:27:41
aquí tiene, diagonal 00:27:43
no hay un 00:27:44
una excepción también 00:27:45
puede ser dentro del barroco la cuestión por ejemplo 00:27:49
hay un triángulo, pero no es un triángulo 00:27:50
perfecto, aquí tiene esta 00:27:52
por ejemplo esta diagonal, marcada también 00:27:54
con esta diagonal 00:27:57
la Virgen María también está 00:27:58
metida en otro triángulo 00:28:00
pero ven que no hay 00:28:02
un centro, no es la pintura 00:28:04
del Renacimiento que tiene que haber un eje 00:28:06
clásico, ya tienen aquí 00:28:08
la composición 00:28:10
borramos todo otra vez 00:28:12
en cuanto a la expresión 00:28:15
bueno, pues es que es la imagen 00:28:18
de un carpintero 00:28:20
que ha dejado, aquí tienen las mesas 00:28:22
de trabajo con el cepillo que les dije en clase 00:28:24
lo expliqué en clase 00:28:26
pues está jugando con su hijo 00:28:28
el niño 00:28:30
está mostrando ese pajarillo 00:28:32
al perrillo 00:28:34
quizás tanto 00:28:36
María como José 00:28:38
van vestidos como 00:28:39
una familia del siglo XVII 00:28:41
quizás el rostro 00:28:43
más idealizado 00:28:46
es el del niño Jesús 00:28:47
en el que destaca, y en el que nos vamos a los colores 00:28:49
el color rubio 00:28:52
de su cabello 00:28:54
con esta manta 00:28:55
que lleva para cobijarse 00:28:57
del frío José 00:28:59
temática 00:29:01
es extraño 00:29:03
porque normalmente en las familias 00:29:05
la que tiene más importancia es la Virgen 00:29:07
y el niño, pero estamos en la contrarreforma 00:29:09
no lo olvidemos 00:29:12
y en esta contrarreforma se le da 00:29:14
mucha importancia a San José 00:29:16
por lo cual 00:29:17
la figura protagonista, María 00:29:18
pasa a un segundo plano que es presente 00:29:22
mirando 00:29:24
con cierta 00:29:26
una sonrisa un poquito entreabierta 00:29:28
disfrutando de esa escena familiar 00:29:29
pero con la importancia 00:29:32
en José, teniendo en cuenta 00:29:34
ese nuevo papel que le está dando 00:29:36
la contrarreforma a los santos dentro de la religión católica en esa lucha contra el protestantismo. 00:29:38
Más cuadros de Murillo dentro de esa temática religiosa, no como el otro que puede relacionar 00:29:50
la escena de género con el tema religioso. Y nos vamos incluso al tema de Alonso Cano 00:29:58
que hemos visto antes de la Inmaculada Concepción. Recuerden que el tema de la Inmaculada Concepción 00:30:04
lo que nos está marcando es el dogma de la próxima concepción. 00:30:09
Una creencia muy arriesgada en Andalucía, sobre todo en Sevilla, 00:30:13
en que la virgen no fue concebida por una relación carnal, 00:30:16
sino que apareció misteriosamente en el cielo 00:30:22
ya con una imagen de niña, joven, con una belleza dulce y serena. 00:30:27
Según una visión de una mística del siglo XVI, 00:30:35
Era una creencia muy arraigada en la Sevilla del siglo XVII. 00:30:38
Aquí tenemos este cuadro, pintado lógicamente con esa temática religiosa 00:30:43
para un asilo de viejos sacerdotes de Sevilla. 00:30:47
Nos encontramos con un hilo sobre lienzo. 00:30:53
Muy conocido el cuadro fue en Sevilla. 00:30:56
La pintura no es como, no piensen que era como hoy. 00:30:59
La pintura impactaba, se conocía, se veía. 00:31:02
Es decir, esta pintura para ver, para transmitir el mensaje. La técnica del soporte de los sobrelienzos, la composición, en este caso barroca, marcada por ese ritmo ascensional, elicuidal, marcado por el propio manto azul, símbolo de pureza, con la túnica blanca. 00:31:06
los angelillos que están sosteniendo la nube, el ritmo también de los angelillos moviéndose hacia el ritmo, un cuadro totalmente barroco, la luz en esta áurea que está surgiendo, 00:31:29
impactando también en este lado, claramente sobre la técnica blanca, la expresión de la Virgen, pues una expresión dulce, una expresión amable, con las manos en el pecho, igual que la estatua de Alonso Cano, el ritmo es un ritmo ascensional y cuidal, y la temática en relación con ese domado de la Purísima Concepción que ya hemos comentado. 00:31:48
Tiene una temática también conocida como de niños sagrados, Murillo, con estos niños de la concha, igualmente, es decir, de este caso es como una escena religiosa de género en el cual veríamos dos niños, 00:32:20
lo que pasa que son dos niños idealizados, sobre todo si los comparamos con estos otros niños jugándose a los dardos en las que sí veríamos a dos niños, a tres niños sevillanos, humildes, de las calles, 00:32:35
Con estos que son, como veis, la propia textura de la piel, un poquito más hidaluzados, rubitos, no corresponderían al modelo de un niño sevillano. 00:32:48
La composición barroca, con esta diagonal, tiene como estos dos planos, el plano celestial con ese rompimiento del cielo con esos tres angelillos, 00:33:00
con la figura de Jesús que le está dando a ver de una concha a su primo Juan el Bautista, 00:33:21
le vemos con esta túnica un poquito más áspera, el corderillo que tiene doble símbolo. 00:33:33
Por un lado, para ser niños sería una especie de juguete, si me permiten, una especie de mascota, 00:33:45
Pero también es el símbolo de Jesús como cordero del mundo, es decir, como sacrificio que se da al mundo. 00:33:51
Los gestos son muy naturalistas, muy humanos, en el sentido de que son dos niños que están, un niño que le está dando de ver a otro. 00:34:00
Y la función es esa función religiosa, incluso de querer decir más de lo que hay en realidad, porque en realidad lo que nos está mostrando es el propio bautismo. 00:34:10
Por ejemplo, este río que ven, esta parte terrenal, la composición dividida, es el río Jordán, es la parte del bautismo. Es decir, que detrás de un aparente sencillo, dos niños bebiendo, nos está hablando del bautismo, del sacramento del bautismo, tema propio de la contrarreforma de la España del siglo XVII. 00:34:19
ya hemos visto antes un poquito de este otro cuadro 00:34:45
estos niños jugando a los dados 00:34:50
la composición abierta con 00:34:52
diagonales, abierta porque no hay 00:34:54
un punto único, es decir 00:34:56
está abierta 00:34:57
por diversos puntos 00:35:00
diagonales tienen 00:35:02
esta que sobre todo llama la atención 00:35:04
que es el punto de entrada 00:35:08
del espectador al cuadro con estas manos 00:35:09
esta mano que ha lanzado 00:35:12
los dados 00:35:13
que están aquí los dos niños mirando, sigue con este de agua en el suelo, también el espectador entra en el cuadro a través de este tercer niño 00:35:16
comiendo ese trocito de pan y está invitando al espectador a entrar. El dibujo tiene importancia porque nos ayuda a encuadrar la pintura, 00:35:26
la luz 00:35:41
ayuda 00:35:43
la luz como Bench 00:35:44
entra por este lado, por el lado de la izquierda 00:35:47
nos ayuda a modelar las figuras 00:35:49
creando zonas 00:35:51
claras y zonas oscuras 00:35:53
el fondo 00:35:55
crea esa sensación de profundidad 00:35:57
con ese fondo, con estas ruinas 00:35:59
que hay 00:36:01
la expresión de los niños es 00:36:01
lo que nos lleva 00:36:05
lo que les he comentado antes 00:36:08
por ejemplo de José Rivera 00:36:10
y veríamos también en Velázquez 00:36:13
de la dignificación 00:36:15
de estos golcillos 00:36:18
de estos niños del siglo XVII 00:36:20
que su forma de vida 00:36:21
es la venta de fruta 00:36:25
que la tienen en este castillo 00:36:27
donde hay unos membrillos 00:36:28
que aquí tenemos 00:36:30
el tema de un bodegón 00:36:33
con fruta que se puede 00:36:35
pudrir, que es el tema de naturaleza 00:36:37
muerta 00:36:39
y la función, como siempre les he dicho 00:36:39
hay que pensar quién paga este cuadro 00:36:43
estamos en Sevilla, el cuadro puede estar pensado 00:36:44
para un 00:36:47
mercadero bien flamenco 00:36:47
teniendo en cuenta que Sevilla 00:36:50
es la capital del comercio mundial 00:36:52
porque es el comercio monopolio 00:36:54
de América 00:36:57
o para un noble sevillano 00:36:57
¿de acuerdo? 00:37:00
pero no es 00:37:02
un cuadro de género 00:37:03
no es un cuadro de crítica social 00:37:05
no está diciendo qué mal viven estos niños 00:37:08
es que también la realidad no, estos niños viven así 00:37:11
estos niños son niños con una 00:37:13
gran dignidad y la forma 00:37:15
de tratarle las 00:37:17
expresiones, por ejemplo 00:37:19
las expresiones de los niños en el juego 00:37:20
de este niño que la jugada ha sido buena 00:37:22
esa sonrisa que mantiene 00:37:25
este otro niño 00:37:27
que está atento a la jugada, contando los dados 00:37:29
a ver si es verdad, no ha sido muy buena 00:37:31
la jugada 00:37:33
son personas dignificadas 00:37:33
mucho más a través de la pintura 00:37:37
para tener este cuadro 00:37:38
en casa, no es una crítica social 00:37:41
no nos está diciendo lo mal que vive la gente en el siglo XVII 00:37:43
tenemos que cambiarlo 00:37:46
es decir, es como vive la gente 00:37:47
en el siglo XVII, son hombres 00:37:49
son niños y son personas 00:37:51
y la pintura nos está dignificando 00:37:53
esta opción 00:37:55
Nos vamos a Velázquez 00:37:58
como punto final de la pintura 00:38:01
del barroco 00:38:03
Velázquez durante toda su vida 00:38:04
luchó por 00:38:08
defender que la pintura no era un arte 00:38:10
manual, no era un arte artesanal 00:38:11
que al pintar 00:38:14
con manos 00:38:15
con un pincel 00:38:16
al tener que hacer los colores 00:38:19
se consideraba que la pintura no era un arte 00:38:21
intelectual, era un arte artesanal 00:38:23
y toda su vida defendió que la pintura 00:38:25
es un arte intelectual, un arte 00:38:28
noble 00:38:29
que aquellos que 00:38:30
lo hacen son nobles en el plano intelectual 00:38:34
y en el plano social y aquí 00:38:35
lo que les comentaba, nos ayuda a entender 00:38:37
la mentalidad del siglo XVII 00:38:39
española 00:38:41
la degradación del trabajo 00:38:43
intelectual y la primacía 00:38:45
de la nobleza 00:38:47
de edad que toda su vida 00:38:49
quiso ser noble 00:38:51
y la pintura él definió como un arte noble 00:38:52
es así que en este cuadro de las Meninas 00:38:55
al principio 00:38:57
la pintó sin este 00:38:59
símbolo que es el símbolo de la 00:39:00
Orden de Santiago, al final 00:39:03
se repintó el cuadro 00:39:05
porque Felipe IV 00:39:07
ennobleció 00:39:09
a Velázquez 00:39:12
con este 00:39:13
título de noble que culminó 00:39:15
su carrera, es decir, lo que él quería 00:39:17
ser un noble 00:39:19
y no ser un trabajador 00:39:21
manual 00:39:23
en sus obras hay una gran 00:39:24
libertad, otros artistas nunca se pudieron 00:39:27
permitir 00:39:29
porque era el artista 00:39:30
de la corte 00:39:33
le llevó por ejemplo a 00:39:35
pinturas mitológicas 00:39:36
escenas mitológicas 00:39:39
que no pudiera pintar otro 00:39:41
pintor, que eran más de temas religiosos 00:39:43
o de temas de escenas de género 00:39:45
en su 00:39:47
pintura es importantísimo 00:39:49
los colores y los efectos atmosféricos 00:39:51
la luz, el espacio, pueden ser 00:39:53
incluso un propio tema de la pintura 00:39:55
hay un realismo trascendente 00:39:57
podemos ver una cosa en la pintura 00:39:59
y nos está transmitiendo otra distinta 00:40:01
es algo muy barroco, mostrar 00:40:03
un mensaje en primer plano, pero a la vez 00:40:05
otro mensaje distinto. Por ejemplo, 00:40:07
en este cuadro de las meninas 00:40:09
podríamos ver 00:40:10
que Velázquez 00:40:13
está pintando el retrato de los reyes y han 00:40:15
entrado las meninas con el aposentador. 00:40:17
Pero si nos fijáramos, por ejemplo, 00:40:19
en los cuadros que arriba 00:40:21
son cuadros de Tiziano 00:40:23
y de Rubens. 00:40:25
Y nos está pintando el artista 00:40:27
en el momento de hacer la obra. 00:40:29
Con lo cual nos está jugando 00:40:30
con algo más 00:40:32
de lo que estamos viendo 00:40:34
o barroco, nos está mostrando 00:40:36
nos está defendiendo la importancia de la pintura 00:40:38
como arte intelectual 00:40:40
arte intelectual 00:40:41
relacionado con la propia 00:40:43
vida de la realeza, de la nobleza 00:40:46
a la que él está tan cercano 00:40:48
y que él mismo al final se acaba 00:40:50
ennobleciendo, y luego es un anticipador 00:40:52
de la pintura pura 00:40:54
es un pintor que se puede permitir 00:40:56
pensar en la pintura como pintura 00:40:58
¿por qué? porque sus necesidades 00:41:00
básicas están cubiertas. Y le permite 00:41:02
hacer un segundo viaje a Italia y en la 00:41:04
grilla Medici, que ya lo hemos explicado 00:41:06
en clase en este vídeo, al principio, 00:41:08
pues dedicar a ver cómo la luz 00:41:11
impacta en los objetos desde 00:41:12
diversos puntos de vista, desde diversos 00:41:14
momentos distintos. Y 00:41:16
incluso crea ese sentido 00:41:18
de la perspectiva aérea que ya Leonardo 00:41:20
y que con sus viajes a Italia 00:41:22
lo habría visto. 00:41:24
Todos estos 00:41:26
serán los caminos que 00:41:27
la pintura del siglo XIX seguirá. 00:41:30
A través de la impresión. Pero esto solo se puede entender en la figura de Velázquez en el concepto de pintor de la corte con amplios contactos, por ejemplo Rubens, acceso a colecciones de arte de toda Europa, la española que era de la monarquía era grandísima, accediendo a las colecciones vaticanas, a distintas colecciones de Italia, algo a lo que muy pocos pintores tuvieron acceso. 00:41:31
En los primeros años de formación, en Sevilla, que ya hemos hablado de la escuela sevillana, se va a ver marcada por ese naturalismo tenebrista de Caravaggio, con un colorido muy austero, los contornos muy secos y con esas acciones cotidianas. 00:42:01
Uno de estos cuadros es el Aguador de Sevilla, que es una de las obras que tenemos en el programa de Historia del Arte. 00:42:16
este cuadro 00:42:21
le va a servir como presentación 00:42:24
el cuadro que va a hacer 00:42:27
el artista está pintando 00:42:28
en Sevilla, pero él quiere viajar 00:42:31
a la corte, quiere ser 00:42:33
tener acceso a los cuadros 00:42:34
de la colección real y quiere ser pintor 00:42:37
del rey, y hace este cuadro para un noble 00:42:39
muy bien 00:42:41
colocado en la corte 00:42:43
como carta de presentación 00:42:44
todo lo que había aprendido en su sueño de 00:42:47
formación sevillana, lo va a plasmar en este cuadro. 00:42:49
¿La composición? Bueno, pues vamos a tener 00:42:52
una composición muy barroca en el 00:42:55
sentido de 00:42:58
diagonales, 00:43:00
por aquí, 00:43:03
la diagonal que está formando 00:43:09
el personaje más mayor, el aguador, 00:43:11
con el cliente más joven, 00:43:14
y luego esta otra, es decir, con el tercer 00:43:17
personaje que queda que está bebiendo una jarra con demasiada prisa. El realismo naturalista 00:43:20
se va a ver en la perfección de los detalles de los cacharros, de la cerámica, por ejemplo, 00:43:30
se va a ver esas gotitas de agua que suda la cerámica. En esta otra cerámica los golpes, 00:43:39
las abolladuras que va a tener 00:43:47
en la copa de 00:43:49
cristal se va a ver brillo 00:43:51
se va a ver un higo que se pone 00:43:53
para una 00:43:55
costumbre que viene a esa época para dar un sabor más 00:43:57
dulce al agua 00:43:59
el claro oscuro está muy claro, la luz 00:44:00
está entrando por aquí 00:44:03
a ver si marco 00:44:04
entra por el lado izquierdo 00:44:06
dejando 00:44:09
esta parte un poquito más oscura y 00:44:09
incluso dejando a ese tercer personaje 00:44:12
en esa sombra 00:44:14
el tema, bueno, es un tema de género 00:44:17
el tema de género es un tema de la vida 00:44:20
cotidiana, tengan en cuenta que 00:44:22
este es un cuadro como 00:44:24
un regalo 00:44:26
a un noble, a la corte del rey 00:44:28
para tener un acceso más fácil 00:44:30
a la corte, como así al final tuvo 00:44:32
Velázquez 00:44:34
y la significación 00:44:36
mucho más complicada 00:44:38
de lo que nos puede parecer y es algo propio 00:44:40
del barroco, mostrarnos algo más 00:44:42
de lo que vemos, debe de 00:44:44
decir 00:44:46
Una escena de la vida cotidiana donde un aguador, recuerden que en el siglo XVII no hay servicio de agua en las casas, 00:44:47
donde apretamos un grifo y sale el agua, hay que llevar el agua, el agua tiene incluso más sabor, hay que dulcificar ese agua. 00:44:54
Pues ante esa escena tenemos una significación un poquito más compleja, porque, por ejemplo, 00:45:00
tenemos un personaje de edad, un personaje muy joven y un personaje de edad adulta. 00:45:06
el cuadro ver 00:45:15
como un cuadro 00:45:18
simbolismo de esas edades del hombre 00:45:21
y como el agua 00:45:23
es el 00:45:25
la dan las generaciones 00:45:27
que tienen una mayor 00:45:30
sabiduría 00:45:32
a los jóvenes 00:45:34
pero que ese conocimiento no se puede dar 00:45:35
directamente 00:45:39
porque puede ser muy fuerte 00:45:39
sino endulzarlo 00:45:42
Y por eso se le pone un higo al agua, para endulzar ese sabor. Y los jóvenes, o por ejemplo, se puede beber de forma apresurada, pero eso no llevaría a un error. Hay que beberla de forma lenta y gradual. 00:45:43
Con lo cual, como ven, es el juego del barroco y Velázquez, desde esta etapa sevillana, ya empieza a jugar con dobles sentidos, con dobles intenciones en el cuadro. Llega a la corte, hace retratos a Felipe IV, pero Felipe IV va a ser, no sé si decir la palabra mismo, pero va a ser una persona muy cercana a Felipe IV. 00:46:01
y en sus retratos se puede ver la evolución del propio monarca, de los propios acontecimientos políticos que va teniendo. 00:46:30
Estos son los retratos iniciales que hace Felipe IV y en estos retratos se hace la composición de los borrachos. 00:46:36
Una composición que inspira el propio Rubens, era un tema que se veía mucho en la corte de fiestas relacionadas con el vino. 00:46:46
Es un tema propuesto, un tema mitológico propuesto por Rubens al rey, que el rey le encarga luego a Velázquez. La composición, pues una composición barroca marcada, o ven, con una diagonal que surge de este ser, de ser un fauno, tirando la diagonal con el dios Baco, con Dioniso, con este soldado que está mostrando esa pleite. 00:46:59
hacia abajo 00:47:29
y luego esta otra diagonal 00:47:31
y como ven 00:47:32
el centro del cuadro es esa 00:47:35
coronación que le está haciendo 00:47:37
el dios Dioniso al cuadro 00:47:39
el cuadro es un arte, dentro del tema 00:47:41
mitológico es una especie de 00:47:43
algo que si sea 00:47:45
también la literatura, coger un tema mitológico 00:47:47
y reírse de él 00:47:50
hacerle una 00:47:51
burla, jugar con él 00:47:53
por ejemplo 00:47:55
Es decir, como un borracho o unos borrachos están haciendo como una especie de ceremonia religiosa hacia un dios. Es una especie de risa. 00:47:56
Luego también el cuadro está dividiendo con esta división de diagonales este lado. Sería el lado real con naturalismo en el sentido de que son personajes con la cara de haber bebido vino, etc. 00:48:12
Y este otro lado son personajes relacionados con el acorte más o menos divino del dios. Los colores en la parte terrenal, terrosos, propios de como se da en el siglo XVII, y mucho más claros, más vistosos, con este carnicí del manto de Dioniso. 00:48:30
También se ve de Caravaggio, aparte de ese naturalismo en los campesinos, en los barrachos, también se ve en la propia figura del dios. 00:48:56
Tiene un guionismo, un bacón muy parecido a esta figura. La perspectiva al final lo va diluyendo el fondo, creando una especie de perspectiva aérea. Hay un bodegón también en el cuadro metido, está aquí, ¿de acuerdo? 00:49:12
Bueno, el tema ya lo he ido explicando y la significación puede ser una alegoría mitológica, el dios del vino, hablando, por ejemplo, de que se supone que puede ser incluso que podría ser como el soldado que está aquí, que podría ser también como un poeta, que el vino sin demasiado exceso puede fomentar las artes creativas. 00:49:32
También es un juego con un tema mitológico. Lógicamente, este tema solo podría ser pintado, un tema mitológico, para la corte. Nadie de la religión de orden eclesiástica pagaría por este cuadro. 00:49:58
Su primer viaje a Italia ya va entrando en contacto con pintores italianos, con recomendaciones que le hace propio Rey porque el Rey permite este viaje. Tenemos esta fragua de Vulcano. 00:50:14
el cuadro pues tiene una composición 00:50:29
marcada por el dios Apolo 00:50:32
por estos cíclopes 00:50:34
lo que pasa es que 00:50:36
el cíclope ya saben que tiene un ojo 00:50:37
lo que pasa es que el cíclope decide pintar con dos 00:50:39
qué rara aquí está 00:50:42
la composición 00:50:43
es una composición que va 00:50:46
cerrada 00:50:47
está mostrando el tema del engaño 00:50:48
es decir, en este momento 00:50:52
Apolo está diciendo 00:50:53
a Vulcano 00:50:55
que Marte 00:50:56
al cual está 00:51:00
elaborando esta armadura 00:51:02
pues su mujer 00:51:04
está siendo 00:51:06
Marte y su mujer 00:51:06
están teniendo relaciones 00:51:09
sexuales fuera del matrimonio 00:51:11
lógicamente, están poniendo los cuernos 00:51:14
lo que pasa es que también hay que tener en cuenta 00:51:15
que el matrimonio vulcano 00:51:18
lo fuerza 00:51:20
de una forma 00:51:21
también un poco subreactiva 00:51:24
El tema es el engaño, y el engaño mostrado en los distintos personajes, en cómo cada uno de los personajes, por ejemplo, la boca abierta de este trabajador, con la cara, el cuerpo que está poniendo ante la noticia el 10 de la fragua. 00:51:26
De acuerdo, con lo cual es un tema mitológico, pero también puede ir un poquito más allá, buscando un doble significado, porque el doble significado es Apolo, dios de las artes, está en una fragua, artes artesanales, manuales, y se está contrastando las artes con el arte manual. 00:51:45
del año 00:52:08
48 tenemos a Velázquez 00:52:12
citando para la monarquía hispánica 00:52:15
y haciendo ya imágenes del poder 00:52:17
imágenes de poder, imágenes para mostrar 00:52:18
el verdeo significado de la monarquía hispánica 00:52:20
para ello pinta el salón de los reinos 00:52:23
y como les he dicho en clase 00:52:24
está todavía en el retiro 00:52:26
en el Palacio del Buen Retiro 00:52:29
y el salón físicamente 00:52:30
todavía persiste, lo que pasa es que todo el ciclo 00:52:32
pictórico que desarrolló 00:52:35
Velázquez 00:52:37
con encargos de otros pintores como Zurbarán 00:52:38
no está ya en el salón sino que se ha perdido 00:52:40
pero la idea del salón era impresionar 00:52:45
era el sitio donde se recibirían a los embajadores extranjeros 00:52:47
y no se mostraría el poder de la monarquía hispánica 00:52:50
se mostraría en los lados largos 00:52:53
los retratos de los reyes, de Felipe IV, de su mujer 00:52:56
de su hijo, como era de la monarquía 00:53:00
y en el otro lado los padres de Felipe IV 00:53:02
y en medio 00:53:05
los retratos 00:53:07
estos cuadros grandes son 00:53:09
historias de la monarquía 00:53:11
hispánica y en medio 00:53:12
estos cuadros 00:53:15
sobre los trabajos de Hércules 00:53:17
enlaza la monarquía hispánica con la mitología clásica 00:53:18
es decir, un auténtico programa 00:53:21
para la persona que entrara 00:53:23
tuviera las claves para entender 00:53:25
lo que significaba la monarquía hispánica 00:53:26
dentro de estos cuadros tenemos 00:53:29
por ejemplo este príncipe 00:53:31
Baltasar Carlos a Caballo 00:53:32
quizá les hayáis más conocido 00:53:35
El retrato de Filipe IV. Pero la composición es muy parecida. Una composición diagonal, el caballo avanza hacia nosotros en posición de corbeta y la luz impacta en la cara del personaje que nos está mostrando que es una persona decidida a llevar, a continuar. 00:53:37
Ya saben lo que hemos hablado, esto viene del retrato de José Marcurelio, el caballo es el símbolo del poder. Un niño joven que está decidido a seguir llevando con resolución las riendas de la monarquía hispánica. 00:53:57
Luego el cuadro está marcado por la parte de la diagonal del caballo, las diagonales del paisaje y difuminando con estos azules grisáceos del final creando una sensación de profundidad a través de las diagonales del suelo y de esa difuminación del espacio creando sensaciones de profundidad. 00:54:13
La famosa perspectiva aérea que habíamos visto ya en Leonardo. 00:54:38
Como esos cuadros que él se ha hecho de la historia de la monarquía hispánica, él pinta la rendición de Ebreda. 00:54:43
Cuadro de diagonales, barroco, dividido en dos planos marcados por la llave, la llave que significa la rendición de la ciudad, 00:54:50
donde Ustine de Nassau está entregando la ciudad a Espinola, general de la monarquía hispánica 00:55:05
donde están bien, claro, por un lado las tropas españolas muy ordenadas con las lanzas en alto 00:55:13
los distintos oficiales en señal de respeto sin sombrero 00:55:18
por otro lado las tropas holandesas desordenadas, está dando la clave también de la victoria 00:55:25
y luego también el fondo de la perspectiva aérea 00:55:31
y luego también en ese momento 00:55:38
de rendición 00:55:40
como el vencedor está poniendo la mano 00:55:41
sobre el hombro del 00:55:44
vencido y le está diciendo 00:55:46
que no hace falta que se postergue 00:55:48
es decir, han luchado como valientes 00:55:50
y son reconocidos 00:55:52
está dando también la visión 00:55:54
la visión que se intenta dar 00:55:55
de la monarquía hispánica 00:55:58
de esos triunfos que tiene 00:55:59
intentando mostrar la gallardía 00:56:01
la honorabilidad 00:56:04
que tiene, lógicamente 00:56:07
en el resto de Europa no existía esa visión 00:56:08
de la monarquía hispánica, con lo cual se está 00:56:11
intentando crear esa imagen de la 00:56:12
monarquía hispánica. Siguiente etapa 00:56:14
esos segundos viajes, esos viajes 00:56:18
a Italia, donde pintas 00:56:20
todos estos paisajes 00:56:22
de la Villa Medici, donde ya les he 00:56:24
dicho lo que hace es 00:56:26
retratar la pintura 00:56:27
el impacto 00:56:30
de la luz en distintos momentos del día 00:56:31
sobre distintas zonas 00:56:34
de estos paisajes 00:56:35
y tenemos esta Venus 00:56:38
del Espejo, lógicamente 00:56:40
tema mitológico, tema sensual 00:56:41
que solo puede ser pintado 00:56:43
por Velázquez, ¿vale? 00:56:45
para la corte 00:56:47
aquí se ve 00:56:48
lo hemos visto en Tiziano 00:56:51
en ese segundo viaje a Italia 00:56:52
con tanto contacto con la pintura 00:56:54
veneciana, ese colorido 00:56:57
de la cultura veneciana 00:56:59
que se ve en el telón rojo, en este color azulado de esa colcha, 00:57:01
la composición está marcada por la sensualidad con estas líneas curvas 00:57:12
y luego el propio significado del cuadro, pues tenemos la imagen de la belleza 00:57:16
que debería estar muy claro en el cuadro difuminada, 00:57:24
Como que la imagen, es decir, que el amor representado por Cupido nos lleva a una imagen equivocada y nos muestra ese Cupido que está apreciado por la idea del amor. 00:57:26
Ese apresamiento se ve en los lazos rosas y en la posición de las manos. 00:57:44
Después de ese segundo viaje a Italia, pues ya encara los últimos años de su vida trabajando para la corte. 00:57:59
Dentro de este momento tenemos estos retratos de Felipe IV. 00:58:11
Les he puesto para que vean este retrato de Felipe IV en los últimos años de su vida, 00:58:17
para que vean el paso del tiempo, de las preocupaciones políticas, 00:58:21
de la crisis de la guerra de los 30 años, la sublevación de Cataluña, 00:58:25
la independencia de Portugal, con este joven Felipe IV. 00:58:31
De alguien que le conoce muy bien, como es Velázquez. 00:58:34
En este momento pinta las meninas, ya saben, óleo sobre lienzo, la composición está muy estudiada, está marcada en este caso por líneas, como ven, verticales con líneas horizontales de las paredes del techo y de los lienzos. 00:58:38
lógicamente también está la diagonal 00:58:55
de esta escalera que está 00:58:58
entrando 00:59:00
es muy importante en este caso 00:59:01
la luz que está entrando por tres sitios distintos 00:59:04
por un lado por aquí 00:59:06
otro por aquí y nos está entrando también 00:59:08
por aquí, esto juega a crear 00:59:10
distintos 00:59:12
espacios con zonas de luz 00:59:16
y sombra alargando la profundidad 00:59:18
del espacio con esa perspectiva 00:59:21
aérea 00:59:22
el tema pues como os he comentado 00:59:23
antes es 00:59:26
el aposentador abre en ese momento 00:59:27
el sitio donde Velázquez 00:59:30
está haciendo el retrato al rey 00:59:31
a Felipe IV y a 00:59:34
su esposa, en ese momento entra 00:59:35
la infanta con su séquito 00:59:38
e interrumpe en ese momento intelectual 00:59:40
la clave del cuadro está 00:59:42
en los retratos de arriba, son retratos 00:59:44
de Rubens, de Cristiano 00:59:46
donde está defendiendo el arte 00:59:48
intelectual que es la pintura 00:59:50
Pero metiendo un tema anecdótico muy propio del barroco. Y ya les he hablado de cómo luego he repintado la Cruz de la Orden de Santiago. 00:59:52
Y por último, en esa misma línea de defender el arte, la pintura como un arte intelectual frente a lo que se pensaba que era un arte artesanal, un arte hecho con las manos, tenemos estas hilanderas. 01:00:04
El cuadro es un tema mitológico, pintado para un noble importante de la corte que organizaba las cacerías del rey. Este tema no tendría sentido y Velázquez no hubiera pintado para él, porque Velázquez era casi una exclusividad pintor de la corte, pintor de la familia real. 01:00:23
la técnica, pues ya saben 01:00:43
el óleo sobre soporte al lienzo 01:00:45
la composición está muy estudiada 01:00:47
también, tenemos una escena 01:00:49
de género 01:00:51
en primer plano 01:00:52
es un taller 01:00:54
de hilatura donde vemos 01:00:57
una anciana 01:00:59
con el rostro de una anciana, lo que pasa es que 01:00:59
tiene la clave 01:01:02
en la rodilla, tiene una 01:01:04
pierna descubierta, una rodilla 01:01:07
de una mujer joven 01:01:08
tenemos el rostro 01:01:10
de una persona anciana 01:01:11
con lo cual es la diosa 01:01:14
Atenea disfrazada 01:01:15
anciana compitiendo con 01:01:18
Aradne 01:01:19
y luego 01:01:20
tenemos en ese segundo plano 01:01:24
al fondo 01:01:25
en esa habitación que se ve 01:01:28
al fondo 01:01:30
la diosa Atenea que ya acaba la competición 01:01:30
con Aradne 01:01:34
y la está reprimiendo 01:01:35
porque ha pintado un tapiz 01:01:37
que es una pintura de 01:01:39
en primer lugar de Tiziano 01:01:41
y luego de Rubens 01:01:44
sobre el rapto de Europa 01:01:45
por Zeus, le está recriminando 01:01:48
porque a pesar de que es muy buena 01:01:49
haciéndolo 01:01:51
en los tapices 01:01:53
es muy 01:01:56
es decir, es muy engreída 01:01:58
se cree muy buena y encima 01:02:00
es capaz de insultar a los dioses porque está mostrando 01:02:01
una incorrección 01:02:03
de Zeus 01:02:05
¿de acuerdo? de como 01:02:07
una aventura amorosa, 01:02:08
un escritor amoroso 01:02:11
de Zeus o de Júpiter, según la metodología 01:02:11
clásica. Con lo cual 01:02:15
también es el tema 01:02:18
de la primacía 01:02:20
de la pintura 01:02:22
sobre la manualidad, sobre la artesanía. 01:02:25
Defendiendo que la pintura es un arte 01:02:29
intelectual. Lo que pasa es que como ven 01:02:30
está metido el cuadro dentro 01:02:32
de otro cuadro. El significado 01:02:34
es bastante complicado. 01:02:35
la perspectiva que se está usando 01:02:38
está combinando 01:02:40
la perspectiva lineal 01:02:42
creando un punto de fuga 01:02:45
a través de las paredes, el espacio arquitectónico 01:02:47
disminuyendo las figuras tal 01:02:49
pero luego también está usando la perspectiva aérea 01:02:51
está creando un primer 01:02:53
plano 01:02:55
en donde la luz 01:02:56
está impactando directamente 01:02:59
está generando un espacio de sombras que es donde 01:03:00
está esta mujer arrodillada 01:03:03
recogiendo los restos 01:03:05
de las de las hilaturas con otras otra otra zona de luz impactando directamente en el aracne de 01:03:07
acuerdo como ven es el cumbre de la pintura barroca el cumbre de la pintura barroca con 01:03:17
diagonales la importancia del color por ejemplo en este cuadro si nos acercáramos muchos veríamos 01:03:23
manchas de color 01:03:30
manchas de color roja 01:03:30
crea también 01:03:33
el movimiento de la dueca 01:03:35
lo crea a través de manchas de color 01:03:38
nos acercamos bien a las manchas de color 01:03:40
el truco de la pintura es en alejarnos 01:03:42
de la pintura para poder ver que las manchas de color 01:03:44
crean la composición 01:03:46
con lo cual está creando 01:03:48
es decir, está haciendo un estudio de la pintura 01:03:50
esto es lo que luego en el siglo XIX 01:03:52
harán los impresionistas 01:03:54
es decir, aparte de crear el espacio 01:03:55
de que está metiendo al espectador 01:03:58
en el propio cuadro 01:04:00
pues todo esto además está jugando 01:04:02
con una nueva concepción de la 01:04:04
pintura 01:04:06
pues hasta aquí la pintura del 01:04:07
barroco, a mi me gustaría remarcar 01:04:09
esto, es decir, ver 01:04:12
la pintura para entender la sociedad 01:04:13
y la política del siglo XVII 01:04:16
a través de los pintores que hemos 01:04:18
visto, pues nada 01:04:19
un saludo muy fuerte y hasta la próxima clase 01:04:21
Autor/es:
Antonio Fernández Sánchez
Subido por:
Antonio F.
Licencia:
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Fecha:
30 de marzo de 2021 - 17:36
Visibilidad:
Público
Centro:
IES CARPE DIEM
Duración:
1h′ 04′ 24″
Relación de aspecto:
1.78:1
Resolución:
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Tamaño:
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