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LA ESCULTURA GRIEGA - Contenido educativo
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CARACTERÍSTICAS Y EVOLUCIÓN DE LA ESCULTURA GRIEGA, A TRAVÉS DE LA ETAPA ARCAICA, CÁSICA Y HELENÍSTICA
Con este vídeo vamos a explicar un poquito las características y evolución de la escultura griega.
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Bueno, en primer lugar comenzamos con una visión general de las características de la escultura.
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Ya sabéis que en Grecia, contrario que en Egipto, que repitió una y otra vez el tema del dios y del faraón,
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en Grecia la valoración del individuo le llevó a que fuese el hombre el tema principal.
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Estamos en una cultura antropocéntrica.
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En segundo lugar, la escultura va a tratar de representar el concepto de belleza, una belleza tanto física como un equilibrio espiritual, una belleza que está a la vez física y espiritual.
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La belleza va a alcanzar su plenitud en el arte griego concebida como medida, como proporción entre las partes, de ahí que surja el concepto de canon, con polícrito.
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La anatomía se va a representar de forma armoniosa y el cuerpo humano se va a idealizar.
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Además, el arte griego, la escultura griega, va a tener una preocupación por el volumen completamente diferente a la que habían tenido anteriormente los egipcios,
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que tuvieron una concepción plana y frontal con un solo punto de vista.
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Los griegos van a concebir la escultura para que sea vista desde distintos ángulos.
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Vamos a ver una evolución desde la composición de los volúmenes, desde la etapa arcaica muy influenciada por la egipcia, como en los curós o en las corés.
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Aquí podéis ver esa frontalidad que demuestra esa influencia egipcia en las Coreas, pasando por la época clásica, el discóbulo de Mirón, y llegando hasta la época helenística con representaciones o ejemplos como la victoria de Samotracia que tenéis aquí o el Laoconte.
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Esto nos lleva también a otra de las preocupaciones de la escultura griega
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que va a ser la de la representación del movimiento
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que se aprecia ya desde las primeras obras
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intentan empezar a representar ese movimiento
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después vamos a llegar ya, como hemos visto antes, a la etapa de helenística
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con la culminación de esa expresión con formas agitadas y retorcidas
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La expresión también va a ir evolucionando
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Desde un primer hieratismo o rigidez en las primeras etapas hacia un dramatismo, en algunos casos violencia, la expresión del dolor ya en la época helenística.
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Por tanto, en esta primera visión general vemos que hay unos principios que son generales a toda la escultura griega, pero sí que tenéis que señalar que hay una evolución, dependiendo si nos encontremos en la época arcaica, en la clásica o en la helenística.
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Me remito un poco a la ficha resumen con las tres etapas. Veremos, en primer lugar, la mayor perfección con Mirón, Policleto y Fidias, sobre todo, y después la hedonística en donde se rompe ese principio, esa idea de belleza basada en ese equilibrio y esa armonía que se había logrado en la época clásica,
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en donde se produce una barroquización del arte que va a reemplazar los ideales clásicos de belleza.
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Entonces ahora vamos a explicar un poquito esa evolución a partir de la época arcaica.
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Y os pido que ahora pauséis el vídeo y vayáis a los términos del arte griego y leáis las definiciones de Kouros y de Coré.
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Bueno, si habéis leído las definiciones, habréis visto que tanto los curós como las core reflejan la influencia del arte egipcio en una serie de principios, como por ejemplo la rigidez, el iratismo y la frontalidad, pero que ya introducen elementos nuevos.
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En el caso del curó sería ese interés por representar la anatomía de un cuerpo desnudo, de una aleta, y en el caso de la core no tanto la anatomía, puesto que está vestida, sino la representación de los pliegues en el vestido.
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Ambos comparten esa sonrisa arcaica que está en característica de esta primera etapa, ese esquematismo y los convencionalismos o las convenciones que se reflejan sobre todo en la geometrización del pelo,
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tanto en el Kuros como en la Korek, y en la posición del cuerpo, el Kuros con los brazos pegados al cuerpo,
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la Korek con una manita levantada, puesto que es una mujer que está haciendo una ofrenda.
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Si nos dirigimos un poquito más hacia el arte clásico, tendríamos estas obras,
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la Orega de Delfos y el Poseidón de Artemisión, que suponen la transición hasta hacia el periodo clásico.
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Veis que aquí se avanza en un mayor realismo y un mayor dinamismo, por la posición de las manos, de los brazos y por la representación de los pliegues, en el caso de la auriga de Delfos.
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Llegando ya así a la época clásica, donde tenéis tres obras maestras o tres figuras emblemáticas, fundamentales en la historia del arte griego y universal.
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El primero de ellos va a ser Mirón con este famoso discóbalo que tenéis aquí, que muestra una colocación espacial perfecta, esa multiplicidad de puntos de vista, esa ruptura de la frontalidad de la que habíamos hablado anteriormente.
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y sin embargo el contraste entre un cuerpo en tensión, ese aleta que está a punto de lanzar el disco,
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ese cuerpo, esos músculos que están en tensión, que están perfectamente esculpidos
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y ese rostro idealizado que no muestra ninguna emoción ni ningún esfuerzo.
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Las proporciones están perfectamente estudiadas según el canon.
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Bueno, pues tras ver este ejemplo de la representación del movimiento en la figura humana
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Nos vamos ya al segundo de los grandes, que va a ser Policleto, que es un teórico que fue el que acuñó el término de canon. Aquí veis la representación del famoso canon de Policleto, según el cual un cuerpo perfecto estaba formado por siete cabezas.
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Este es el dorífero que tenéis aquí a la izquierda que refleja ese tratado que le escribió llamado Canon, con K, de ahí viene el término en castellano de Canon, el joven portador de lanza y luego tenéis el diadumeno a la derecha que es el atleta que se ciñe la diadema, que perdonad que está aquí, este sería el diadumeno, no a la derecha sino aquí abajo, eso es, que tenéis el dorífero, perdonad,
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Y aquí tenéis el diadúmeno. Estos son los dos principales ejemplos de policleto.
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También podéis pausar el vídeo y mirar en los términos la definición de la palabra canon, el término canon y también del término contraposto, que va a ser también importante en todas las esculturas.
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Entonces pausadlo y veis las definiciones para ver si así asimiláis mejor la contribución fundamental de policleto.
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Aquí tenéis ambos términos. Después de ver este ejemplo de Policleto, el principal autor de esta época va a ser Fidias, considerado el artista que mejor encarna el ideal de belleza clásico.
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Es sin duda el escultor más famoso de la Grecia clásica. Con él va a llegar a su cénit el clasicismo. Ya recordaréis que fue colaborador de Pericles en la construcción de Atenas y que a él se deben las esculturas del Partenón.
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cuyos modelos han servido siempre como ideales clásicos.
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Es característico suya la técnica de los paños mojados, sobre todo en los relieves.
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Llamado también, se le conoció también como escultor de los dioses,
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fue el que realizó la escultura cruz elefantina del dios Zeus para el templo de Olimpia
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y también la de Atenea en el Partenón.
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A él se deben tanto las esculturas de los frontones del Partenón como las representaciones de la centauromaquia, la mafanomaquia, las metopas en el Partenón y también el friso de las panatenías que rodea la celda, la naos del templo del Partenón.
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Podéis ver en los distintos ejemplos de presentaciones y libros ese ideal de armonía, de serenidad, de proporción, tanto en las relaciones entre los distintos personajes como en la representación de los pliegues, los rostros, las manos, todo.
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La perfección técnica del arte de Fidias es sobre todo destacable en estos fragmentos del friso de las panateneas, ese característico estilo de paños húmedos, paños mojados, que se adhieren al cuerpo dejando apreciar la belleza en las líneas del cuerpo.
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y donde cada una de las figuras, a pesar de ser cientos de figuras las que rodean el friso,
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están tratadas como individualmente, no de una forma repetida como anteriormente,
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si recordáis, en el arte mesopotámico, en donde una misma figura se representaba de una y otra vez.
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La influencia de Fidias fue extraordinaria.
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Hubo una escuela, una serie de escultores que siguieron sus pasos,
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que adoptaron su ideal de belleza y su peculiar modo de representar telas y cuerpos,
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destacando sobre todo los relieves del templo de Atenea en Iqué,
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que aparecen en el friso, que aparecía aunque decoraban el friso del templo de Atenea en Iqué.
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Si seguimos todavía en la época clásica, que como veis es densa y larga,
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tendríamos una tercera etapa, ya estaríamos en el siglo IV.
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Aquí en el siglo IV hay una cierta evolución, tenemos tres nombres, Praxiteles, Lysipo y Scopas.
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En este periodo se va a acentuar la tendencia hacia lo natural, con posturas ya más relajadas y un tratamiento de la anatomía un poco menos matemático. Se introduce cierta expresividad en los rostros, melancólicas, con cierto ensañamiento, ensimismamiento, muy propios por ejemplo de Praxiteles.
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Y también el caón de belleza va a ser modificado, lo veremos ahora con lisito, que pasa de las siete a las ocho cabezas.
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Aquí tendréis dos de los ejemplos de paraxíteles, cuya escultura se caracteriza por ser muy refinadas, con cierta sensualidad y delicadeza.
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Febos, que tiene una forma sinuosa, es decir, el acentúa el contraposto, dando lugar a la famosa curva paraxiteliana.
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Las figuras se arquean, buscan un punto de apoyo, lo que les obliga a doblar una pierna más para apoyarse en la otra y arquear así mucho más la cadera.
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Por otro lado, aparte de esta posición tan peculiar o tan acentuada en el caso de Praxiteles, los rostros de sus figuras tienen una expresión melancólica y gira la cabeza como buscando algo con la mirada.
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Entre sus obras destaca Hermes y Donisio y el Apolo sauroctono, que es el Apolo.
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Otro ejemplo de Praxiteles es la Venus de Ignido, que es la primera representación de un desnudo femenino en el arte occidental.
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Seguimos en la etapa posclásica, en el siglo IV, llegamos a Escopas.
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Solo un ejemplo, la Ménade, que representa una mujer que participaba en los cultos dionisiacos, danzando, una figura convulsa, agitada, podéis ver cómo Scopas trata de plasmar en sus obras una gran violencia y un gran movimiento, por tanto estamos alejándonos de ese ideal que habíamos visto anterior.
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Son personajes pasionales, atormentados, temas trágicos. Esto es lo que se conoce como la expresión del pazos frente a la expresión del ethos propio de la sermidad de Policleto. Aquí tenemos ya un paso muy cerquita del helenismo. Aquí tenéis Nena de las mujeres que participaban en las orgías de Dionisios.
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Y por último, el tercer ejemplo o el tercer nombre que tenemos en la epítapa posclásica es Lisipo, que ya lo veis, modificó el galón de policleto, ahora la cabeza va a ser la octava parte del cuerpo y por tanto sus figuras van a ser más esbeltas.
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Aquí tenéis el apoxiomeno, es el aldeta que se está quitando el aceite, raspándose el brazo con un raspador, es un joven aldeta que se está aseando tras la competición, tiene el brazo izquierdo flexionado y en la mano derecha portaría el raspador.
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El brazo derecho está extendido y la pierna derecha se apoya lateralmente, con lo cual introduce un poquito más de movimiento. Es un atleta ya con un rostro cansado por el esfuerzo. Es una representación ya un poquito banal, poco solemne, alejada bastante de esa dignidad que imprime Policleto a su dorífero, que habíamos visto anteriormente.
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distante un poco de esas creaciones tan heroicas del siglo V.
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Terminamos este vídeo de la escultura entrando ya en la etapa helenística.
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Tendríamos que recordar un poco el contexto histórico de este periodo,
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que comienza con la muerte de Alejandro Magno y la división de su extensísimo imperio
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llegando hasta India por parte de sus generales.
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Por tanto, se va a dar una gran diversidad en los estilos, ya que es un espacio fragmentado, con distintos reinos, que se traduce también en el arte en distintas escuelas.
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Se pierde, por tanto, la unidad de estilo y se produce un alojamiento de los ideales clásicos de belleza.
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Hay un interés creciente en representar el movimiento, la expresión de los sentimientos, incluso exagerados, un excesivo realismo, un gran dramatismo, incluso les interesa representar la fealdad o aspectos anecdóticos, como vamos a ver ahora en algunos ejemplos.
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Aquí tenéis uno de los ejemplos más conocidos, la menos de mil, lo que está en el Louvre en París, que muestra un poco la pervivencia del ideal clásico de belleza.
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Es lo más parecido a la escultura clásica, aunque está un poquito desproporcionada.
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Sin embargo, el niño de la espina o el espinario de la Escuela de Atenas muestra un episodio tan anecdótico como un niño quitándose la espina de un pie.
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podéis percibir un poco el alejamiento de esas representaciones tan grandilocuentes que hemos visto en las etapas anteriores.
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También el gusto por lo exótico, como en esta alegoría del Nilo, o el dramatismo de este galo moribundo, o estos gálatas,
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y la expresión también o el interés en representar el movimiento, la victoria a Samotracia, que asemeja la proa de un barco.
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Aquí os pido que pauséis el vídeo cuando queráis profundizar un poquito más en la escultura helenística y leáis el comentario de la victoria a Samotracia
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o el comentario de Laocóntico, que es una obra que suele salir mucho en selectividad, muy interesante, una obra que causó un grandísimo impacto cuando fue descubierta en el siglo XVI.
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Fue bien muchísimo en autores como Miguel Ángel y después en el mayorismo y en el barroco.
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Leí del comentario para entender un poco la simbología, el significado tiene que ver con la guerra de Troya y tiene un significado religioso.
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Es un castigo por parte de los dioses a un hombre que trató de impedir sus planes. Aquí tenéis al sacerdote troyano, Laoconte y sus hijos.
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Pero fijaos, me voy más a los principios estéticos, a esa línea diagonal que predomina. La diagonal siempre es una forma de composición que expresa movimiento frente a las líneas verticales y horizontales, que son más estáticas.
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Ese desequilibrio, ese movimiento, esa tensión en los músculos del cuerpo de Laoconte, ese rostro que es el paradigma del dolor y el claro oscuro es un juego de luces y sombras para darle más dramatismo a la escena, tanto en el pelo como en los recovecos de los pliegues y de las extremidades de los personajes.
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Fijaos también que los cuerpos están desproporcionados, puesto que el Laoconte está representado a una escala mucho mayor que la de sus hijos.
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Pero remito al comentario que viene aquí, en la presentación podéis hacer clic y veis un comentario mucho más exhaustivo de esta obra tan emblemática y tan representativa del helenismo.
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Con eso terminaríamos la escultura a lo largo de sus tres etapas.
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Espero que os haya servido para estudiar y que os sirva en el futuro.
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ya iremos haciendo más vídeos
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si os son útiles
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- Subido por:
- M.victoria T.
- Licencia:
- Dominio público
- Visualizaciones:
- 105
- Fecha:
- 28 de septiembre de 2020 - 19:46
- Visibilidad:
- Público
- Centro:
- IES EL BURGO - IGNACIO ECHEVERRÍA
- Duración:
- 18′
- Relación de aspecto:
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