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Concierto comentado Falla y Britten 1 - Contenido educativo

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Subido el 29 de abril de 2026 por Alejandro M.

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Grabación del concierto comentado celebrado en la Semana Cultural 2026 del CPM Teresa Berganza, Madrid. Esta es la primera parte de la actividad. Se sube por separado por cuestiones de espacio. En ella se puede profundizar en Manuel de Falla y Benjamin Britten, conocer sus contextos e influencias y escuchar intervenciones sobre obras importantes de su repertorio o características esenciales de su estilo. Se puede escuchar: "Siete canciones populares españolas" y el "Homenaje. Pièce de guitare écrite pour «Le tombeau de Claude Debussy»" de Manuel de Falla.

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Buenas tardes a todas y a todos, bienvenidas y bienvenidos a esta actividad que la verdad es que Manuel ha presentado estupendamente bien, Voces del siglo XX, precisamente en homenaje a estos dos autores por el motivo que ya también ha comentado, por el 150 aniversario del nacimiento de Manuel de Falla y por el 50 aniversario del fallecimiento de Benjamin Britten. 00:00:20
Gracias a Ramón por toda la actividad, incansable para que esto salga adelante, porque la verdad es que es un currazo tremendo, 00:00:44
iniciativas así, la verdad es que son preciosas y revitalizan mucho la vida cultural del centro y del barrio. 00:00:53
Y también gracias a los compañeros, a los participantes, Luis, Nicoleta, Cristina y Eugenia al piano, además Luis y Nicoleta van a hablar también, 00:01:00
José Miguel y Paco a la guitarra, Isidro a la voz y Miguel Prida como ponente y yo muy poquito. 00:01:09
Así que nada, en esta actividad la idea es que podamos profundizar someramente en las influencias 00:01:20
y características principales de los estilos de estos dos compositores, así como parcialmente en su repertorio 00:01:29
para poder apreciar la importancia de su legado, que vamos a ver que es mucha. 00:01:34
Empezamos con Manuel de Falla, que es un compositor bastante conocido y muy apreciado. 00:01:40
Y nada, simplemente comentar algunas cosillas generales. 00:01:46
Manuel de Falla nació, como habéis visto, en 1876 en Cádiz. 00:01:49
Se suele dividir su vida atendiendo a los lugares de residencia que tuvo. 00:01:54
Primero vivía en el Cádiz natal, donde se empezó a formar y tal, 00:01:58
y ya destacaba como compositor y como intérprete, pero cuando entra en contacto muy fuertemente con la composición 00:02:02
y concretamente con la tradición musical española, es cuando viene a vivir a Madrid, que conoce a Felipe Pedrel, 00:02:08
que nos hablará Cristina de él, que es el maestro de maestros de la música española. 00:02:15
Posteriormente vivirá unos años, de 1907 al 1914, en París, donde entrará en contacto con nuevas corrientes, 00:02:20
como son el impresionismo, la tendencia de los ballets, estos primeros ballets de Stravinsky y otras muchas cuestiones. 00:02:29
Posteriormente regresa a España, pasa un tiempo en Madrid, que es donde por ejemplo se compone y se estrena el Amor Brujo. 00:02:38
Después se traslada a Granada, que es donde pasa gran parte de su vida, ahí está la Casa Museo y el fondo y archivo de Manuel de Falla, 00:02:46
que es realmente muy interesante y de donde se han tomado varias imágenes. 00:02:53
Y finalmente, en 1939, debido a complicaciones de salud, porque él tuvo una salud bastante frágil a lo largo de toda su vida, 00:02:59
y en ese momento, por las complicaciones derivadas de lo obvio, que es un golpe de Estado y una guerra terrible, 00:03:07
la cosa en España no estaba muy bien. Entonces decide emigrar, no tanto exiliarse, sino emigrar a Argentina, 00:03:15
que es donde fallece unos años más tarde. Falla se mojó y en él convergen multitud de influencias muy distintas 00:03:21
que vamos a poder ir viendo a lo largo de este concierto comentado. En él confluyen la tradición, la música popular, 00:03:31
el cantejondo, el mundo de la guitarra flamenca o del folclore gitano o andaluz, pero también tendencias nuevas 00:03:38
y totalmente modernas en aquella época, como las mencionadas, como el impresionismo, los ballets y mucha influencia pictórica. 00:03:46
Como muestra, aquí se le ve un entorno bastante privilegiado, está en la Alhambra, no es cualquier sitio tampoco, 00:03:54
con dos hermanos de García Lorca, con Ángel Barrios y con Adolfo Salazar, que es un historiador y pensador de la música español muy importante. 00:04:00
Y en la siguiente diapositiva podemos ver, si dejo ver, una cita que es un fragmento de una entrevista que se le hizo a Falla justo antes del estreno de El amor brujo en 1915 aquí en Madrid, en el Teatro Lara, con bastante poco éxito, por cierto. 00:04:10
Y en esta entrevista, Falla plantea o plasma muy brevemente su pensamiento, que se puede ver ahí. 00:04:27
Él siempre parte de ideas de índole popular, en el caso del amor brujo, pues cantadas, como dice, por la propia Pastora Imperio, 00:04:35
que es la cantadora que le encarga la obra, o que motiva la composición de la obra, 00:04:41
y luego les aplica unas técnicas compositivas determinadas, las suyas, para crear un todo homogéneo, coherente y sólido, 00:04:47
pero siempre con esa identidad 00:04:53
y ahí dice que ha sido su convicción 00:04:55
con otras obras, con esa 00:05:00
y lo será con otras tantas 00:05:01
no me entretengo más 00:05:03
voy a dar paso a Luis que nos va a hablar 00:05:05
de Falla y la relación con el pintor Zuloaga 00:05:07
por favor 00:05:10
muchas gracias 00:05:11
efectivamente yo voy a hablar 00:05:19
de Falla y Zuloaga 00:05:21
los que ya peinamos algunas canas 00:05:22
los jóvenes no 00:05:24
conocemos ese retrato de Falla 00:05:25
sí, como escuchinizado 00:05:28
es verdad que tenía muy mala salud 00:05:31
y no comía y todo, era como difícil 00:05:33
porque estaba en los billetes 00:05:35
de 100 pesetas, que vienen a ser 00:05:37
6 euros de ahora, en unos billetes marrones 00:05:39
muy bonitos 00:05:41
y a los que yo les tenía especial cariño 00:05:42
porque significó un upgrade 00:05:45
en mi paga del domingo 00:05:47
ya cuando tuve 100 pesetas 00:05:49
de paga mensual 00:05:51
pues ya entraba casi en la edad adulta 00:05:53
lo cierto 00:05:56
y verdad es que estos dos artistas muy importantes, sobre todo Falla, que es el que es más universal, 00:05:57
entran en contacto alrededor de 1913 por una beca que solicita Falla y se conocen en París 00:06:05
y su relación personal de amistad y profesional va a culminar en un proyecto pequeñito, 00:06:12
pero muy bonito, muy acabado y sofisticado, que es la creación del retablo de Maese Pedro, 00:06:23
que es como una especie de ópera, ni siquiera de cámara, yo diría que de salón, 00:06:30
que encargan unos aristócratas parisinos y que se representa en su casa, 00:06:36
y Falla escribe la música reutilizando temas del Renacimiento español en ocasiones, 00:06:41
Y Zuloaga va a hacer la dirección de escena, vamos a decir. 00:06:53
El caso es que estos dos artistas, uno desde la música y el otro desde la visión, desde la pintura, van a, de alguna forma, reclamar el regresar a las raíces más puras de lo español. 00:07:00
Ha dicho antes muy bien Alejandro que Falla representa la tradición y la modernidad, es verdad, asimismo Zuloaga también, en un momento en que la pintura está en el auge de la vanguardia y la aparición del arte abstracto, 00:07:17
Zuloaga no renuncia al arte figurativo, pero incluso voy más allá, en Zuloaga siempre hay una línea como delimitando las figuras casi como un cómic, vamos a decir, estableciendo muy claramente los distintos planos visuales, y en ese sentido es un pintor que bebe del clasicismo, 00:07:39
o al menos no renuncia a él, especialmente en esto de la línea, y creo que a Falla también le pasa. 00:08:06
Los dos presentan lo español en su variedad y en su desdoro, en tanto en cuanto no hay idealización, 00:08:14
y sin embargo, en el arte español nunca hay idealización, o no lo hay tradicionalmente. 00:08:28
Velázquez pintaba huevos fritos de una vieja o un enano, Goya pinta despiadadamente a la familia del rey del que él era pintor de cámara. 00:08:33
Entonces en lo español no hay idealización como sí que lo hay en lo italiano o en lo francés 00:08:45
y estos artistas representan su visión de España, de sus raíces, de su cultura, de su educación, de su trayectoria sin esa idealización 00:08:49
pero el resultado sí es muy bonito, y como decía antes, Zuluaga no renuncia al arte figurado, 00:09:01
lo que pasa es que lo traspasa, porque hay un elemento de psicología y de penetración del alma muy evidente. 00:09:12
Ambos se inspiran efectivamente en la tradición popular, Falla en este sentido tuvo una importancia capital 00:09:21
con la creación del concurso congreso de 1922 junto a Lorca de Cantejondo. 00:09:30
Hasta entonces el flamenco era una cosa absolutamente lumpen, underground completamente 00:09:38
y gracias a este congreso de 1922 el flamenco, permitidme en fin, se convierte en lo español de cara al mundo 00:09:44
mucho más que la paella o el Real Madrid, o sea, si por algo somos conocidos los españoles en el mundo 00:09:56
es por el flamenco, desde Japón a... y como os digo, esto se debe al esfuerzo conjunto de Falla y de Lorca 00:10:01
de sacarlo del inframundo y otorgarle carta credencial de arte en toda regla. 00:10:10
Este es el mundo en el que se mueven. 00:10:20
Luego, otra cuestión que es muy interesante y que yo creo que es un paralelismo que viene al caso, es la pintura de Zuloaga, emplea una técnica un poco caravallesca de claro-oscuro, de contrastes muy marcados, que no se ocultan, y eso está muy presente en Faria también. 00:10:21
ritmos quebrados, armonías que se intuyen 00:10:44
siempre alguna disonancia pero que viene al caso 00:10:49
el resultado nunca es desagradable 00:10:52
al final en ambos artistas lo que encontramos 00:10:54
es una vivencia, al menos, esto tirarlo a la basura 00:10:58
porque es personal mío, subjetivo 00:11:01
pero es un clima, como pone ahí, emocional intenso 00:11:03
eso es muy español, no hay nada suavizado 00:11:08
y muy radical, muy rotundo 00:11:11
No nos deja indiferentes. Sí, esto se dice mucho porque es la corriente del momento, apegaos a la tradición, a su herencia, etc., pero pasado por las técnicas parisinas de educación, de vanguardia, yo en el caso de la música lo conozco mejor porque soy músico. 00:11:14
lo que hace Falla, luego lo veremos 00:11:34
posiblemente cuando hagamos las siete canciones 00:11:38
pero 00:11:40
se dan como 00:11:40
tres casos, la cita 00:11:44
literal de la 00:11:46
música popular, tal cual está 00:11:48
la cita estilizada, es el caso 00:11:49
de las canciones de Falla, donde les ponen un acompañamiento 00:11:52
de piano 00:11:54
muy elaborado, académico 00:11:55
vamos a decir, y luego lo que 00:11:58
parece español, pero a lo mejor no lo es 00:12:00
tradicional, es lo que haría, por ejemplo, 00:12:02
Bizet con Carmel 00:12:04
entonces Falla siempre es 00:12:06
extraordinariamente escrupuloso en el 00:12:08
tratamiento del material 00:12:10
temático 00:12:11
otra cosa que se me ha olvidado decir respecto de lo de la línea 00:12:13
es que Falla 00:12:16
muchas veces antes de empezar sus composiciones 00:12:18
hacía el molde de las mismas 00:12:20
alineaba los compases 00:12:22
los vaciaba y luego sobre eso una vez que tenía 00:12:24
el armazón hecho como una 00:12:26
sonata de Mozart o como queráis llamarlo 00:12:28
en el caso de la fantasía bética 00:12:30
entonces ya lo llenaba esos compases, le preocupaba mucho esa limpieza, y ambos efectivamente combinan lo antiguo con lo actual. 00:12:32
Luego efectivamente la mujer, en el caso de Zuloaga, que aparece siempre muy sensual, pero extraordinariamente expresiva, 00:12:43
y casi categórica, una afirmación de un cierto poderío femenino que a mí me llama muchísimo la atención 00:12:56
y me resulta muy atractivo. No es la mujer florero, la mujer en ese sentido a lo mejor se responde un poquitín 00:13:06
al cliché de Carmen, etc., la mujer que puede, y luego son ambas músicas, esto es muy español también, 00:13:16
que es lo pasional y racional radical y lo espiritual místico, y a lo mejor las dos cosas no están tan alejadas. 00:13:29
Y en fin, pues como conclusión, veis como se ven las líneas, parece casi como un cómic, 00:13:38
Y eso creo que se une a Falla en lo de rellenar los compases, que todo esté muy limpio antes de empezar. Bueno, deciros que efectivamente lo mismo que Sorolla va a hacerlo en otro ámbito con los lientos de la Spanish Society de Nueva York, pero ambos autores, ambos artistas crean una visión de España. 00:13:44
esto es un título que le arrebatamos, que tomamos prestado a Sorolla, pero sí hacen un retrato muy profundo de España, tal cual ellos la ven sin, como decía antes, nada idealizado, etc. 00:14:05
Y, al final, hay un drama en ambos autores, pero que siempre se resuelve, como nos pasa mucho en los españoles, ¿no? Siempre, al final, pues triunfa la luz, la sonrisa, aunque sea a veces sarcástica, ¿no? Y, bueno, son personalidades muy interesantes. Muchas gracias. 00:14:18
Pues yo intentaré hablar sobre una de las obras de referencias para Manuel de Falla sobre el cicornio, que tiene un segundo título que se llama Sombrero de Tres Picos. 00:14:40
Bien, pues Manuel de Falla junto con Felipe Pembrell, Isaac Albeniz y Enrique Granados son los representantes, quizás los máximos representantes de la cultura nacional española. 00:15:17
y cuando me refiero a la cultura nacional española, me refiero a la corriente musical-artística 00:15:34
que se desarrolla a partir de la segunda mitad del siglo XIX hasta las primeras décadas del siglo XX. 00:15:42
Esta corriente, que es la corriente de las escuelas nacionales en general, 00:15:53
pues nace después del romanticismo y va a co-vivir, co-existir con otras grandes estéticas artísticas y musicales de la época 00:15:58
como el impresionismo francés, el expresionismo, el neoclassicismo, el neoromanticismo, el dodecafonismo, el atonalismo. 00:16:11
Pero esta cultura nacional española, esta corriente musical, artística en general, de hecho empieza a desarrollarse en España y no precisamente por la parte musical, sino por la parte literaria. 00:16:21
Esta corriente se la debemos a la generación de 1898, generación encabezada en la literatura por Don Miguel de Unamuno, por Azorín, por Ramón María de Valleclan, por Pío Baroja, por Consuelo Álvarez Pol, 00:16:36
y que reivindicaba los valores nacionales españolas, una reivindicación muy necesaria después del resultado de la guerra hispanoamericana. 00:16:57
Entonces, a esta generación de literatos de 1898 se une toda una generación ilustre, impresionante de músicos como, repito, Felipe Pedrell, Isaac Albeniz Granados de Falla y también Joaquín Turina. 00:17:11
Entonces Manuel de Falla empieza su carrera en el Conservatorio de Música de Madrid bajo la pedagogía de Felipe Pedrel y como pianista concertista se va a París en 1907. 00:17:31
París en aquel momento era el gran punto de encuentro de las personalidades más importantes artísticas de todo el mundo, porque en aquel momento se vivía un momento histórico excepcional. 00:17:48
Era la antesala, el mundo vivía la antesala de la Primera Guerra Mundial, era una explosión de artistas de gran genio, una explosión de nuevas tendencias estéticas en todas las artes. 00:18:05
Y París, después de su revolucionaria comuna de París en 1871, que abrió las puertas a esta ciudad para que llegue a ser la capital del libre pensamiento 00:18:27
y de la democracia y de la ciudad artística por excelencia, 00:18:43
pues después de 1871 los artistas, por la realidad histórica y social que se vivía en Europa 00:18:51
y en el mundo en aquel entonces, pues todos más o menos van hacia París para darse a conocer 00:19:01
y ahí Manuel de Falla, llegado a Aris en 1907, se da rápidamente a conocer, como le he dicho, como pianista-concertista 00:19:09
y entablando amistades con algunos de los músicos más importantes de la época. 00:19:20
Y me refiero a Igor Stravinsky, y me refiero a Claude Debussy, y me refiero a Maurice Ravel. 00:19:29
Pero no va a entablar amistad solamente con estos músicos de excepción, sino también con artistas de otros índoles. Por ejemplo, con Pablo Picasso, que por su matrimonio con una bailarina rusa de gran excepción, Olga Koklova, pues estaba afincado en París. 00:19:37
Pues entabló amistad también con el mecena, quizás más importante de todos los tiempos, con Sergei Diaghilev y también con uno de los coreógrafos de referencia en historia de la danza clásica, que fue Leonid Massin. 00:19:57
¿Y por qué van a quedar todos ellos tan importantes, únicos e irrepetibles en la historia del arte? 00:20:17
Primero porque Manuel de Falla llegó a expresar en París, a dar a conocer toda la expresividad musical típica española que consistía en la belleza del canto hondo, de las farrucas, de las jotas, del fandango, 00:20:26
A la que va a unir también influencias del impresionismo francés. Y ahí en París, entablando esta relación de amistad con Diaghilev y con Picasso, juntos van a venir a España, se van a bajar a Andalucía. 00:20:51
Yagilev le encarga a Manuel de Falla un ballet al escuchar Noches en los Jardines de España 00:21:10
Yagilev quiere que Leonid Massin haga una coreografía de Noches en los Jardines de España 00:21:20
pero Manuel de Falla le dice que es imposible en aquel momento dedicarse a eso 00:21:26
y entonces le ofrece el proyecto del tricornio y nace este ballet, el tricornio 00:21:32
Y entonces aquí vemos lo que va a ser como un punto de revolución en la historia del espectáculo por parte de Picasso esta vez. Es el telón de boca espejo que trae al mundo artístico precisamente Pablo Picasso. 00:21:40
No va a ser la primera vez que lo haga en el tricornio, lo hace anteriormente en otro ballet en Pará, pero lo que va a ser la puesta en escena del tricornio va a ser un éxito total desde todos los puntos de vista. 00:22:01
¿Por qué es tan importante este talón de boca? Porque el espacio escénico es un espacio tridimensional, pero dividido en dos partes, la parte de los espectadores y la parte de los artistas. 00:22:16
¿Qué hace aquí Picasso que sea genial? Pues está haciendo un cuadro en el que los personajes están mirando al espectador y de repente el espectador se transforma en el artista principal. 00:22:32
principal, que ya deja de ser espectador y está realmente unido al mundo del espectador, 00:22:52
está arrastrado en el escenario propiamente dicho. Y aquí vemos cosas tan amadas para 00:23:00
Picasso, el mundo de la tauromagia, a que él estaba vinculado desde su infancia, el 00:23:08
El mundo del pueblo, aquí no se ve, pero hay cielos con golondrinas y de hecho tenemos como dos planos, igual que el espacio escénico está dividido en dos, aquí tenemos dos planos. 00:23:16
Lo que hay dentro del espacio circular, donde se desarrolla la corrida de toros, 00:23:35
lo que hay en el segundo espacio, que se desarrolla en los palos. 00:23:42
Bien, entonces, ¿en qué consistía la escenografía de este ballet? 00:23:48
Primero era el telón de boca normal, que lo tiene cualquier teatro. 00:23:53
Después el telón de boca espejo y después durante este telón de boca espejo la música, el director de orquesta y la orquesta interpretaban la obertura y después se abría realmente y empezaba la acción. 00:23:58
La acción es del ticorno, es una fábula en la que la acción ocurre en un pueblo sencillo de Andalucía, donde un corregidor corrupto quiere seducir a la mujer muy joven de un molinero. 00:24:17
El pueblo hace parte, todo se desarrolla delante del pueblo llano que toma parte en la acción y por supuesto que al final el amor de la joven pareja de los molineros va a ganar. 00:24:33
Pero aquí tenemos las imágenes de los vestuarios utilizados para el ballet. 00:24:52
Bueno, son vestuarios únicos en la historia de la inventaria, porque es una estética cubista, 00:25:01
los volúmenes en el caso de los vestuarios es súper importante porque hablamos de un trabajo coreográfico, 00:25:11
no de cualquier cosa, entonces los volúmenes son cubistas, pero los materiales utilizados son muy livianos y que se puedan adaptar y que puedan facilitar la danza de los bailarines. 00:25:18
Por supuesto que es un vestuario estilizado y me refiero que es un vestuario goyesco, de tipo goyesco. 00:25:36
Todos ellos son personajes del pueblo llano, del pueblo sencillo, 00:25:47
pero Picasso no los va a traer en el escenario así con su indumentaria corriente de cada día, 00:25:52
sino que les embellece, les ennoblece, les dignifica y les hace como símbolos a cada uno de su clase social, 00:25:59
respetando dentro de este vestuario hay una jerarquización de la importancia de cada personaje. 00:26:14
Aquí vemos una foto original del estreno del Gricorno que tuvo lugar el 22 de julio de 1919 en el Teatro Alhambra de Londres, dirigido por una celebridad de la época, por Ernst Arzermed, e interpretado por Tamara Karsabina y Leonid Massim. 00:26:23
Leonid Massim, punto de referencia en la historia de la coreografía, como bailarín de excepción y también como coreógrafo. 00:26:45
Pues para la realización del ballet tricornio, él se va a poner en contacto en Andalucía con un bailaor flamenco, Félix Fernández, que le va a enseñar, le va a desvelar toda la magia, el ritmo, el fuego del alma, la expresividad, todo lo que significa el flamenco español. 00:26:59
Entonces, Leoni Massin se queda absolutamente obnubilado por este nuevo arte que él aprende aquí en España, que es el flamenco, y que va después a ir añadiendo a otras creaciones suyas coreográficas, porque habrá después del Picornio, también en colaboración con Jalbert y con Picasso, otra fuerza en escena que se llama Cuatro Flamenco. 00:27:26
Entonces, estas son fotos del mismísimo estreno y lo que es súper importante es que se ha quedado una película, hay una grabación de todos sus ensayos de Basín con Félix Fernández. 00:27:54
Ahí hay un drama, y no es una anécdota, es un drama real. Félix Fernández, le llevaron a Félix Fernández a Londres con ellos, y Félix Fernández siempre albergó la esperanza de que él va a interpretar el papel principal del molinero. 00:28:10
Cosa que no ocurrió, porque Leonid Massín se enamoró tanto de esta técnica de baile flamenco, 00:28:29
él que era un bailarín clásico y un coreógrafo de excepción, 00:28:38
que no le dejó a Félix Fernández que tenga el papel principal. 00:28:42
Entonces, Félix Fernández se puso a bailar este papel del molinero en una iglesia en Londres, en Trafalgar Square. 00:28:46
Pues la trama fue que estuvo arestado y metido en el manicomio de donde nunca jamás salió. 00:28:55
Entonces, si esto se oye por ahí como una anécdota, no es una anécdota, ha ocurrido de verdad. 00:29:03
Aquí vemos a Sergei Diaghilev mirar los vestuarios, todo lo que es el colorido de los vestuarios, los volúmenes. 00:29:11
Este precisamente es el vestuario del corregidor, el vestuario de la mujer del corregidor. 00:29:21
Aquí le tenemos en la imagen al Sergei Yagilev. 00:29:30
Sergei Yagilev, el menciona más importante artístico de todos los tiempos, 00:29:34
pues nació en Novgorod, en el imperio ruso, en 1872. 00:29:38
Estudió derecho y quiso ser compositor. 00:29:45
Se puso en contacto con Rinsky Korsakov y le dijo que no serviría para ello, pero él no se desanimó, empezó a ser mecenas de arte, tuvo su propia revista de arte y en 1908 la corte imperial rusa le envió a París con la compañía imperial de ópera con un montaje de la ópera Boris Godunov de Mussorgsky, 00:29:47
interpretada por Fyodor Sharyabin. El éxito fue tan abrumador que entonces Geyler regresó a París otra vez 00:30:17
por las circunstancias históricas que atravesaba Rusia en aquel entonces. Había empezado la Primera Guerra Mundial, 00:30:31
en la asunción del comunismo ruso, estaba preparado el asesinato de la familia de los Chávez, 00:30:40
entonces él cogió a los mejores solistas, primeros solistas del ballet imperial ruso, 00:30:48
y cuando digo mejores primeros solistas me refiero a Ana Pávlova, la Pávlova como la llamamos aquí, 00:30:58
a Tamara Karsavina, a Léon Basin, a Serge Vivard, a Anton Dolin, a Václav Nijinsky, entre otros, y se los llevó a París. 00:31:04
Y desde París, pues, hicieron giras en todo el mundo, llegaron hasta Estados Unidos, 00:31:16
Y bueno, lo genial de Jagler fue saber rodearse de los bienes más importantes del mundo artístico de aquel entonces, de músicos, de directores de escena, de bailarines. 00:31:23
Entonces, cuando hablamos de los ballets rusos, y me gustaría insistir un poco, un minuto sobre ello, hablamos de un fenómeno artístico sin precedentes, una compañía profesional de superestrellas que sobrevivió desde 1909 hasta 1929, año de la muerte de Diaghilev, 00:31:45
y que no solamente fueron grandes bailarines, fueron inmensos artistas, 00:32:12
inmensos artistas, los compositores les componían música especialmente para ellos, 00:32:18
como fue el caso de la Paulova, Saint-Saëns compuso el cisne especialmente para Paulova 00:32:25
Y bueno, la siesta de un fauno de Ljubljana que fue compuesta por Václav Nijinsky y eso dice todo sobre ellos. 00:32:35
Y ellos, estos ballets rusos, les ballets russes, dejaron abiertos los caminos, los más importantes caminos de la creación artística del siglo XX para que nosotros hoy día enfoquemos estas profesiones artísticas, 00:32:45
no solamente desde un punto de vista técnico y de virtuosidad, sino desde la más profunda emoción 00:33:07
y desde nuestra meta de transmitir emoción al público. 00:33:16
Muchísimas gracias. 00:33:23
Bueno, ahora invito al escenario 00:33:24
a mi compañera 00:33:38
doña Eugenia Gabriel 00:33:40
con la que vamos a interpretar 00:33:42
la primera danza 00:33:45
de Manuel de Falla 00:33:47
de la vida real 00:33:49
Bueno, muchas gracias, Eugenia y Cristina. 00:34:40
Ahora vamos a pasar a ver un poco sobre el amor brujo de Manuel de Falla 00:38:37
con unos ejemplos de guitarra de Paco y Miguel. 00:38:41
A ver, vamos a decirle. 00:38:46
Sí. 00:38:48
Bueno, hoy yo os voy a hablar de la guitarra en Falla, 00:39:28
la profunda relación que tiene el guitarrismo español y folclórico con la música que Falla ha compuesto 00:39:32
y la influencia que tuvo esta en toda su obra. 00:39:45
Lo primero es la relación que tiene Falla de la guitarra a través del cantejondo, 00:39:49
no de la guitarra clásica, sino de la guitarra del cantejondo, la guitarra que llamaríamos la guitarra flamenca. 00:39:56
Esto se debe a tres momentos de su vida. El primero de ellos es la amistad con Ángel Barrios, un gran guitarrista que conoce ya en París, en su época de París. 00:40:02
Ya en el periodo de Granada, entre 1920 y 1939, conoce al sacerdote de García Lorca y ahí, entre Lorca y Falla y unos cuantos más intelectuales de la época, 00:40:13
organizan el primer concurso de cantejondo en 1922. 00:40:26
Sin embargo, pese a la gran influencia de la guitarra en falla, 00:40:36
su producción para este instrumento es muy limitada. 00:40:41
Cuenta con unos cántares de Nochebuena del año 1934, 00:40:44
en la que tiene unos arreglos muy sencillos de canciones populares, 00:40:50
que tienen un acompañamiento de guitarra muy simple. 00:40:53
Y, por supuesto, el homenaje a la tumba de Claude Vichy, de 1920, 00:40:57
estrenado por Jovet y para el que también arregla el romance del pescador, 00:41:04
que es uno de los números del amor brujo, que nosotros lo conocemos por el círculo mágico, 00:41:11
y la canción del fuego fatuo para hacer un tríptico, al cual Falla queda muy contento. 00:41:17
Falla se da cuenta de que la escritura para guitarra prolifera muchas notas que para nosotros estarían fuera de la armonía tradicional 00:41:23
y ve que estas notas se deben a la presencia, a la gran presencia de cuerdas al aire de la guitarra. 00:41:38
Esto, según dice Cristoforidis, para falla en las condiciones técnicas del instrumento habrían sido un factor determinante en la configuración modal y armónica de esta música. 00:41:45
Entonces, pasa por favor, la cadencia frigia en la guitarra flamenca. 00:41:57
flamenca, nos damos cuenta, viendo la imagen, vemos que hay un montón de notas tenidas 00:42:04
entre unos acordes y otros, que se ven a posiciones determinadas, es una cuestión muy técnica 00:42:28
de las posiciones de la mano izquierda, más que una lógica de construcción de acordes, 00:42:37
porque todo esto que estoy poniendo ahí abajo es básicamente una majadería, ningún guitarrista flamenco está pensando en esos acordes realmente. 00:42:44
¿Podemos escuchar la otra? 00:42:55
Veis la sonoridad tan característica y se debe a que aparte de los sonidos de los acordes limpios que diríamos, 00:43:19
nos encontramos también esas notas añadidas que pertenecen a ese territorio de las cuerdas al aire. 00:43:26
Entonces, yo me he centrado en el amor brujo porque es la obra que estamos haciendo este año con la orquesta 00:43:39
y he apreciado tres rasgos de la presencia de la guitarra en esta obra. 00:43:44
Uno de ellos son las armonías derivadas de estas posiciones que estábamos diciendo ahora, otro relacionado con los ritmos y las técnicas guitarrísticas y otro, como no podía faltar, los modos frigios, tanto el menor como el mayor. 00:43:52
Vamos a ver tres ejemplos ahora de esta escritura, cómo sería a partir de la técnica de la guitarra, vamos a ver si lo logro, vamos a escuchar este primer número, la introducción, en un arreglo muy simple, muy sencillo para la guitarra. 00:44:08
Y ahora vamos a ver el ejemplo en la versión orquestal 00:44:30
De una de las dos canciones, la canción del Amor Dolido 00:45:03
Tenemos también un buen ejemplo de estas armonías, también de los ritmos 00:45:39
Como vais a ver 00:45:43
Y el tercer ejemplo es de la escena que antecede la canción del Fogofato 00:45:44
En la que vamos a escuchar en la primera guitarra el modo frigio mayor 00:46:31
Bien, y sin más 00:46:40
voy a dar paso a mi compañero Paco 00:47:21
que va a interpretar el homenaje a la tumba de Claudio Vissi 00:47:25
Gracias 00:47:28
Bueno, pues ahora para 00:47:29
como colofón fallesco 00:51:21
vamos a escuchar las siete canciones populares españolas 00:51:23
acompañadas por distintos compañeros, piano, guitarra y acordeón. 00:51:27
Así que vamos con ello. 00:51:33
La 108. 00:52:32
Bueno, pues vamos a hacer las siete canciones populares españolas 00:52:34
que fue un encargo, se le hicieron a Falla para sonarlo en el Teatro Eón en París 00:52:43
aunque el ciclo está pensado como un ciclo y todas las canciones tienen un ídolo conductor 00:52:48
el orden se ha variado en muchas ocasiones y el orden sobre todo al final 00:52:57
fueron consideraciones de interpretación, de performativa, es decir, crear contrastes entre las canciones. 00:53:02
La primera canción de todas es el paño moruno, que es un tipo de composición que se acompañaba con guitarra. 00:53:12
Había muchos tipos de paño, estaba el paño moruno, el paño americano, 00:53:24
Bueno, igual que hay jotas en diferentes partes de España, pues había paños en diferentes regiones también. 00:53:28
Entonces, Eri intenta evocar de alguna manera el toque o el estilo guitarrístico y lo vamos a ver también con los rasgueados. 00:53:36
rasgueados. Es en cuanto al título. En cuanto al texto, el texto del Paño Murulón se refiere 00:53:48
a la honra femenina, a través de la metáfora del pañuelo, de la tela y sobre todo en el 00:53:55
mundo gitano. Es una mera coincidencia que el Paño Murulón empiece a decir al Paño 00:54:04
en fin, una tienda, porque no tiene nada que ver 00:54:12
es simplemente una mera coincidencia 00:54:14
vamos a explicar dos palabras 00:54:16
de cada canción, usted no está muy de acuerdo 00:54:18
tampoco que decíamos que si hacíamos 00:54:20
que pero, bueno, por hacer un pequeño 00:54:22
apunte de cada una y que no se nos olvide 00:54:24
¿no? 00:54:26
hacemos así 00:54:28
¿Por qué perdió su valor? 00:54:30
porque perdió su valor 00:55:26
La siguiente canción es La Seguidilla Munciana 00:55:30
La Seguidilla Munciana era una seguidilla que se utilizaba 00:55:51
este tipo de seguidilla mucho para las celebraciones de la huerta 00:55:55
es un tipo de seguidilla que está muy marcado por el ritmo de las castañuelas 00:56:00
en este sentido el piano responde mucho a las imágenes del texto 00:56:05
porque esta canción tiene dos de los refranes más conocidos españoles, 00:56:10
cualquiera que el tejado tenga de vidrio, no de tirar piedras al del vecino, 00:56:16
y arrieros hemos en el camino nos encontraremos. 00:56:19
De alguna forma, la música, el piano, responde tanto al taque, taque, taque, taque de las castañuelas, 00:56:22
como a lo que podrían ser las piedras sobre el tejado, 00:56:30
como a lo que sería el mundo sonoro de los arrieros con el trote de los animales, 00:56:33
los cascos, los cascables. La seguidilla. 00:56:39
yo te comparo por tu mucha inconstancia 00:57:27
yo te comparo con peseta que corre de mano en mano 00:57:35
al fin se borra y creyendo la falsa 00:57:41
y creyendo la falsa 00:57:49
nadie la toma 00:57:52
nadie la toma 00:57:55
la siguiente canción es la asturiana 00:58:02
que como su nombre indica, la melodía original es un tema, una canción antigua asturiana 00:58:13
y en esta canción alguien en primera persona está pidiendo consuelo y se lo está pidiendo a un pino 00:58:22
y el pino le da consuelo, es decir que claramente esta canción tiene una dimensión simbólica 00:58:31
lo cual da lugar a diferentes interpretaciones. Por un lado está el mito de Atis y Cibeles, 00:58:38
donde Atis es convertido en un pino y Cibeles va a llorar al pino y el pino lo humaniza porque dice que el pino llora. 00:58:48
Bueno, podemos pensar que la resina de los pinos cuando lo sangran, como se llama, puede ser el llanto del pino. 00:58:57
Por otra parte, en la literatura también se ha tenido al pino como un símbolo de constancia, como un símbolo de firmeza en el mundo amoroso. 00:59:05
Yo recuerdo haber leído en algún sitio, no me acuerdo dónde, como hablaba una imagen muy bonita de los cantos de Castilla y esos pinares que hay de repente los describía como si fueran un faro o como si fueran un refugio. 00:59:22
Así es que esta canción, además, tiene un mundo sonoro muy impresionista, porque a Zaya le gustaban muchísimo las campanas, 00:59:37
Esto me recuerda mucho a Miróas de Rabel, el Valle de las Campanas, y donde puede describir, si queremos de alguna forma, todas las esquilas. 00:59:53
Es una imagen de un monte asturiano donde se pueden oír las esquilas y al fondo las campanas de la iglesia, con esa sonrida, como he dicho, muy impresionista. 01:00:04
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Por verme llorar 01:01:53
Dicen que nos queremos 01:03:03
Dicen que no nos queremos 01:03:44
¿Por qué no nos queremos? 01:03:52
Dios mío, se lo pueden preguntar, dicen que no nos queremos, porque no nos ven, ya me despido de ti, 01:04:07
Ya me despido de ti 01:05:01
Tu casa y tu ventana 01:05:10
Y aunque no quiero a tu madre 01:05:16
Adiós niña hasta mañana 01:05:24
Adiós niña hasta mañana 01:05:31
Y ya me despido de ti, aunque no quiera tu mano. 01:05:38
Bueno, la siguiente canción es La Nana Falla. Decía que las nanas no se acompañan con un instrumento. 01:06:20
Y lo que ha hecho es que a través del acompañamiento del piano, que por una parte es muy reiterativo y que nos puede dar una sensación de balanceo, 01:06:34
de balanceo, y por otra está utilizando notas continuamente a contratiempo que hace que 01:06:42
no haya ninguna sensación de estabilidad a lo que se suma, que cuando entra la voz 01:06:49
entra totalmente con otro ritmo, con lo cual nos va a crear una atmósfera de ingravidez, 01:06:52
de ensoñación 01:07:02
y vamos con la canción 01:07:04
que no está claro porque 01:08:50
Pagli identificó esta pieza 01:08:51
con la denominación genérica 01:08:54
de canciones 01:08:56
son unos versos de amor desengañado 01:08:58
Voy a enterrarlos, por traidor estos, ojo les voy a enterrarlos, no saben lo que cuesta del aire, ni ni el mirarlos, madre a la vida, ni ni el mirarlos, madre. 01:09:11
Dicen que no me quieres y me has querido 01:09:29
Dicen que no me quieres y me has querido 01:09:39
Vaya a ser lo ganado del aire por lo perdido 01:09:44
Madre a la orilla por lo perdido 01:09:50
Madre 01:09:53
Y terminamos con el polo que evoca, como dices en el título de la canción, el polo flamenco. 01:09:59
Aquí el yo hablante ha vivido las penas del amor y maldice con la fórmula antigua del malaya. 01:10:07
Parece que utiliza lo que es característico del cartejondo, que es el uso reiterativo de una nota continua, obsesionante. 01:10:19
y que no le da a la voz un sentido del pulso. 01:10:29
Creo que es así, de esta forma, una sensación de hechizo. 01:10:36
Y a nadie se la diré 01:11:03
Ay, el amor malo, el amor malo, el amor malo 01:11:25
Ay, ay, ay 01:11:40
¿Y a quién me lo di a entender? 01:11:47
Idioma/s:
es
Materias:
Música
Niveles educativos:
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            • Quinto Curso
            • Sexto Curso
Autor/es:
Miguel Ángel Prida Campo
Subido por:
Alejandro M.
Licencia:
Reconocimiento - Compartir igual
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Fecha:
29 de abril de 2026 - 17:12
Visibilidad:
Público
Centro:
CPR MUS TERESA BERGANZA
Descripción ampliada:
En este concierto comentado participan los docentes y músicos profesionales Alejandro Martínez Arias, Miguel Ángel Prida Campo, Luis María Noaín Calabiug, Isidro Anaya Díaz, Nicoleta Cristina Tomescu Matei, Eugenia Gabrieluk, Francisco Jesús Fernández - Dávila García, José Miguel Sánchez Pérez y Jesús Mozo Colmenero.
Duración:
1h′ 12′ 45″
Relación de aspecto:
1.78:1
Resolución:
1280x720 píxeles
Tamaño:
1.79

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